Mattin, el músico ruidista que convierte al espectador en "instrumento"

El Conservatorio Nacional de Atenas acoge durante esta documenta 14 en la capital griega la "performance" "Social Dissonance" del músico ruidista español Mattin, que transforma a los espectadores en "instrumentos" para componer un manifiesto contra el capitalismo.

Realizada en una amplia sala diáfana y vacía del edificio, la "performance" implica a cuatro "intérpretes" -Dafni Krazoudi, Danai Liodaki, Yannis Sarris y Eleni Zervú-, que se mezclan e interactúan con los espectadores, mientras estos caminan libremente por el espacio.

A la entrada de la sala, en un atril, hay copias de un breve texto que está a caballo entre la reflexión y el manifiesto, lo que Mattin califica de "partitura", y que da instrucciones sobre el objetivo de esta obra.

La idea de esta "disonancia social" llegó a través de "la disonancia cognitiva", explica a Efe el propio Mattin.

"La disonancia social", prosigue el artista, se produciría entre "la idea que tenemos de nosotros mismos, en la cual hay un individualismo narcisista que el capitalismo promueve" y un impulso contrario que sería "la capacidad que tenemos de socializar".

Las tecnologías, según el músico español, jugarían un importante papel porque "por un lado refuerzan esta capacidad (de socializar), aunque también el narcisismo".

"Social Dissonance" explora también "la misma idea de libertad", según el artista en entredicho, pues estaría "determinada por unos intereses económicos y políticos".

Como ejemplo Mattin dice que "unos pueden llamar la elección de (el presidente de EEUU, Donald) Trump un ejercicio de democracia", mientras otros pueden considerarlo "una manipulación" de los votantes por parte de unos pocos.

Mattin, cuya trayectoria está marcada por el ruidismo y la improvisación reconoce que "en la improvisación libre se piensa que puedes ejercer esa libertad de cualquier manera, pero te das cuenta de que esta es extremadamente limitada, y que lo interesante es explorar cómo está condicionada nuestra idea de libertad y cómo estamos condicionados nosotros mismos".

La manera de llevar a cabo esta "performance", según el artista, nace del juego de palabras "instrumento-instrumentalización", entendida esta última como manipulación de la persona por parte de elementos externos.

"Escucha atentamente. La audiencia es tu instrumento, tócala para entender prácticamente cómo somos generalmente instrumentalizados", reza la partitura de "Social Dissonance".

"Yo vengo de la escena del ruido, pero en un momento dado el ruido, como elemento sonoro, se convirtió en un género musical, y entonces empecé a explorar la idea de utilizar al público como instrumento", cuenta Mattin.

No en vano la partitura está inspirada en la pieza "4'33''" del músico John Cage, en el que el público "es el material que genera el sonido".

"Aquí, no obstante", matiza el artista, "son las relaciones sociales las que cobran importancia" y no tanto el sonido.

La incomodidad del público, la lucha contra las ideas preconcebidas y la deconstrucción del individuo son conceptos son los que trabaja "Social Dissonance".

"Si estás cómodo no tienes que reconsiderar tu posición. Esto no es un concierto participativo en el que la gente se va contenta a casa", dice el músico.

Los intérpretes tratan para ello de generar situaciones y conversaciones con el público a través de "técnicas" y "artificios" trabajados con Mattin en los ensayos, pero el resultado de cada "performance" será distinta, dependiendo "de la energía de la gente", pues el público está en igualdad: también pueden interpretar la partitura.

Mattin insiste en que no quiere que se reproduzca el modelo de "sujeto neoliberal que hace su actividad atomizada y se va a casa y nada cambia, aquí se trata de reconsiderar" las posturas y los pensamientos.

Para ello quiere crear "ambientes densos en los que no haya consenso de lo está pasando y se fuerce a la gente a pensar en lo que está pasando en la situación concreta", aunque también en "qué es nuestra concepción de libertad y cómo nos concebimos a nosotros mismos".

Exposición. Franz Erhard Walther. Un lugar para el cuerpo

Vista de sala de la exposición. Franz Erhard Walther, Un lugar para el cuerpo, 2017. © Franz Erhard Walther, VEGAP, Madrid, 2017 

La obra de Franz Erhard Walther (Fulda, Alemania, 1939), desarrollada desde finales de la década de 1950 hasta la actualidad, anticipa muchas de las cuestiones que caracterizan la historia del arte respecto a la condición del objeto artístico (la escultura, sus materiales, técnicas y modos de uso) y la naturaleza del espectador en cuanto receptor y partícipe.

Un lugar para el cuerpo es la primera gran exposición antológica de Franz Erhard Walther en España, en la que se presenta un amplio conjunto de esculturas, dibujos, pinturas, documentación fotográfica y material de archivo de toda su trayectoria.

Durante el periodo expositivo se activan copias de exposición (2014) de varios de los elementos que componen 1. Werksatz [Primera serie de obras, 1963–1969], una obra emblemática que requiere de la participación del público y en la que el artista introduce muchas de las ideas esenciales de su trayectoria.

Se llevarán a cabo una serie de activaciones de varios de los elementos que componen la obra 1.Werksatz por parte de mediadores formados por el propio artista (horarios aquí).

Paul B. Preciado

"Cuando se trata de una exposición internacional como Documenta, todo el mundo pregunta por la lista de artistas y sus nacionalidades, el número proporcional de griegos y de alemanes, de hombres y de mujeres. Pero ¿quién tiene hoy derecho a un nombre? ¿Quién puede afirmar que es ciudadano de una nación? Son los estatutos del documento y sus procesos de legitimación los que están en cuestión. Mientras el sol envejece y el mapa geopolítico se quiebra, entramos en un tiempo en el que el nombre y la ciudadanía han dejado de ser condiciones banales para volverse privilegios, en el que sexo y género han dejado de ser designaciones obvias para transformarse en estigmas o en manifiestos. Algunos de los artistas y curadores de esta exposición perdieron un día un nombre o adquirieron otro para modificar sus condiciones de supervivencia. Otros han cambiado varias veces su estatuto de ciudadanía o siguen a la espera de que una petición de asilo les sea acordada. ¿Cómo los nombraremos entonces? ¿Los contaremos como sirios, como afganos, como ugandeses, como canadienses, como alemanes o como simples números en una lista de ­espera? ¿Cuentan cómo griegos o como alemanes los cientos de artistas helenos emigrados buscando ­mejores condiciones de vida en ­Berlín? ¿Cuentan los saamis como finlandeses o noruegos; los gitanos como franceses, rumanos o españoles; los catalanes o vascos como españoles? ¿Cuentan los exiliados de la guerra de Biafra como canadienses o como nigerianos? ¿Cómo se cuentan los artistas exiliados nacidos en tierras que deberían llamarse Palestina, y cuya obra vuelve ­incesantemente al lugar perdido? Lo mismo ocurre cuando se trata de las estadísticas de igualdad de sexos. ¿Cuentan como hombres o mujeres los artistas trans o intersexuales? In-documentados."

Documenta14, "Learning from Athens", Athens Conservatoire

Documenta 14 - Learning from Athens | DW Documentary

Carolee Schneemann Wins Coveted Venice Biennale Golden Lion

Carolee Schneemann

Carolee Schneemann has been announced as the winner of the Golden Lion for Lifetime Achievement of the 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia – VIVA ARTE VIVA. The American artist was recommended for the award by the curator of the 57th International Art Exhibition, Christine Macel. She will receive the accolade on May 13 at Ca’ Giustinian, the headquarters of La Biennale di Venezia, during the awards ceremony and inauguration of the 2017 exhibition.

Commenting on the award, Christine Macel stated that Schneemann has been one of the most important figures in the development of performance and Body Art “She has used her own body as the prevalent material of her art,” said Macel. “In so doing, she situates women as both the creator and an active part of the creation itself. In opposition to traditional representation of women merely as nude object, she has used the naked body as a primal, archaic force which could unify energies.”

Carolee Schneemann’s career spans more than 60 years during which she has worked in a wide range of mediums including in painting, photography, performance film, video, mixed media, and installations, but she is best known as a pioneer of feminist performance. Her most famous performance is “Interior Scroll” 1975 during which the artist, standing naked on a table, slowly pulled a narrow scroll of paper from her vagina while reading aloud from it.

According to Macel, Schneemann is an artist with a direct, sexual, liberating, and autobiographical style who champions the importance of women’s sensual pleasure and examines the possibilities of political and personal emancipation from predominant social and aesthetic conventions. “Through the exploration of a large range of media . . . Schneemann re-writes her personal history of art, refusing the idea of an “his-tory” narrated exclusively from the male point of view,” said Macel.