sábado, 17 de diciembre de 2016
jueves, 15 de diciembre de 2016
ALMINE RECH GALLERY
Jeff Koons
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London, Grosvenor Hill
London, Grosvenor Hill
Opening on Tuesday October 4th, 2016
from 6 to 8 pm
from 6 to 8 pm
Koons
Press release
"Great artists are always complex and complicated figures. Unlike philosophers, they are also able to simplify matters, enabling understanding at a single glance by which all is revealed. Ut pictura poesis – ‘as is painting so is poetry’: an insight conjured by the Ancient Greeks and Romans. Mirrors from the very beginning have played an essential role in almost all of Jeff Koons’s work. They appear in the first inflatables of 1979, in which glass flowers and other ‘trite’ objects picked up in discount stores on 14th Street in New York were placed on mirrored platforms and backdrops. Since, many of his most ambitious works, such as the Balloon Swan, Balloon Monkey and Balloon Rabbit, shown spectacularly in New York in 2013, are finished with such shine that the viewer cannot but be aware of themselves many, many times as they circle the sculptures.
Koons goes further than Duchamp, who so famously described the viewer as the essential completer of the work of art, by literally embedding the viewer in his works of art, and as a result plays with their memories of childhood and, more recently, educated cultural experiences as they remember classical sculpture or the history of European painting dating from the Renaissance down to Picasso. Now for the first time he gives a nod and a wink to the originator of conceptualism, whose name is synonymous with art that makes pure and abstracted thought visible. At least that might be one way of describing the inventor of The Large Glass (1915-23). This all leads seamlessly into the concept of the blue glass gazing ball that Koons has now given, as though almost a gift, to some of the most decisive, at least as he regards them via museum encounters, masterpieces of Western European painting.
jueves, 8 de diciembre de 2016
miércoles, 7 de diciembre de 2016
A Palestinian Artist Records 17 Versions of a Family Story
RAMALLAH — “For everyone it was very strange to see my grandmother in the newspaper!” says Inas Halabi, laughing and taking a moment to reflect on family life since winning the AM Qattan Foundation’s Young Artist of the Year Award. In the opening scene of Halabi’s video work “Mnemosyne” (2016), her grandmother sits on a cream-colored couch and directly addresses the camera, calmly and succinctly telling the story of the scar that marked her husband’s forehead.
“Mnemosyne” took the top prize in the 2016 edition of the YAYA, as it is affectionately known, which called on Palestinian artists under 30 to submit works related to the theme of “pattern recognition.” Halabi, who is based in Jerusalem and often works with archival and found imagery, filmed members of her mother’s extended family in her grandparents’ village of I’Billin. Each of them was asked to explain the scar on her grandfather’s forehead.
Halabi knew the basics — her grandfather had been grazed by the bullet of an Israeli soldier around the time of the Nakba, in 1948. But the story begins to shift and stretch as each family member tells their own version, rotating in and out of the same set: the couch outside her grandfather’s old farming barracks.
The YAYA exhibition was held in October in Ramallah’s Dar al Sa’a, where viewers could sit on the same couch as Halabi’s family members and ponder the complexities of history and memory by way of this single story. With the work now traveling to London, Halabi and I sat down in a busy Ramallah café to discuss family folklore, memory gaps, and how she is trying to tell Palestinian stories in new ways.
* * *
Mary Pelletier: What initially drew you to the story of your grandfather’s scar?
Inas Halabi: The first time I heard the story was about six years ago, from my mom. My grandfather passed away about four years ago, and the thing was that I never heard the story from him, and I never actually saw the scar — it was very subtle. When I first heard the story, I wasn’t thinking I could make a piece from it, but in my mind, I kept going back to it.
MP: What sparked the decision to explore the story through all of these different family members?
IH: I was looking through the description of the YAYA open call, and it was all about pattern recognition and rhythm. So the thought that came to my mind was the Chinese whispers game, or the telephone game, as we call it in Arabic, where one word is said to a person and passed on to another person, either changing or remaining the same. In my work, I’m very interested in storytelling and narratives related to personal and collective memory. I’m also interested in power structures and the relationship between memory, history, and myths. The three are never transferred identically and always undergo some kind of metamorphosis. All of these things are in there, in “Mnemosyne,” but this time it involved my family.
MP: You’ve worked with video many times before, but often with archival footage. Here, 9 or 10 family members are telling their versions of the same story — to me, it seems like they are your own family archive. How was preparing for this work different for you?
IH: In the rest of my work, the process is very different — the starting point is generally a historical event or a certain individual I am interested in exploring, and the process involves a lot of archival research and collecting. These stories are generally related to Palestine or to the Arab world. I would describe them as forgotten or hidden histories. “Mnemosyne” is very different, both in its structure and its process, because I’ve never involved my family directly in this way before. I filmed 17 family members, including myself and cousins. I knew a lot of things were out of my hands, so the things I tried to control were the space, the location, and the framing of the filming. I also asked each family member to drink from the glass of water once they were finished telling their story. In each frame there was the couch, a glass of water on the floor, and the three questions: “What do you know about the scar on my grandfather’s body?” “Where was the scar exactly?” And I would ask if they could point to it. The third question was, “Who told you? How do you know about this story?” It was very important to me that I asked these questions only when we reached the location and right before I started filming. I didn’t want it to turn into a sort of interview or documentary.
MP: In the work, we see your family members answering these questions in slightly different ways, with distinct details and gestures. What have you learned from this process about storytelling? Has it informed the way you will go on to tell stories, as an artist?
IH: I feel, as an artist, it’s very subjective from my end. I’m the one who’s making the decisions, what language and words to use and what visuals will go along with that. The stories in “Mnemosyne” weren’t my stories, and during the process of making the work, both my family members and myself were somehow forced to take on the role of historian. From the start I was interested in how that would play out, when the source of the scar’s story, my grandfather, is no longer present. Storytelling includes a lot of repetition, issues of metamorphosis, of things shifting and becoming something else. With the editing, there were parts of the stories I did not include — that’s part of the decision-making power that I have as an artist over the work.
MP: The title of the piece, “Mnemosyne,” refers to the Titan goddess of memory, and it seems your family members show how elastic memory can be, how stories evolve.
IH: I feel like the story became longer and more complex, and at the same time, while some gaps were filled, a lot of gaps were created. I could have explored this with another story, but I was specifically interested in this story because the scar is another kind of memory — a physical one that is literally embodied. I’m interested in how that sort of physical memory is possible as well. I think what happened around the scar — it’s a personal history, but it’s also a collective history. And that’s what really matters. The same thing was happening to other people at the same time.
MP: Speaking of collective memory, do you see this work as relating to a larger Palestinian narrative?
IH: Definitely. It’s a personal family story, but it’s directly related to the narrative of what happened in 1948, with the Nakba, the ethnic cleansing of Palestine, because the scar happened at that time. In terms of the visuals, I didn’t want to have olive trees or the typical landscape that would go along with this kind of Palestinian narrative. I didn’t want to romanticize it. Also in terms of the Nakba, a lot of these stories have been perhaps told too much in the same way, where we aren’t able to process them anymore.
MP: As part of the Young Artist of the Year Award, the work is travelling to London. How will it change for you when it is shown outside of Palestine?
IH: I wanted to bring an object from the video, to place the viewer physically on the same couch or in the same space as the person sitting in the frame. This was how “Mnemosyne” was installed in Palestine during YAYA 2016 — the couch was brought over from the north of Palestine, to Jerusalem and then to Ramallah. Unfortunately, the couch won’t be reaching London for logistical issues, which changes the work for me. But these changes are OK. There are going to be new pieces that I will show in London as part of “Mnemosyne,” embroidered works on paper of family members and other visuals which I think will activate the space and the video in a different way.
Inas Halabi’s “Mnemosyne” will on view in Pattern Recognition, the AM Qattan Foundation’s Young Artist of the Year Award 2016 exhibition at the Mosaic Rooms (Tower House, 226 Cromwell Road, London) from January 20 to March 18, 2017.
Laia Ventayol García
Laia Ventayol: «Me gustan los artistas que se ven auténticos, los que se divierten trabajando»
Se define como una artista «formal». Pero ello se debe a su interés por la forma. No se asusten: la poética y la belleza inundan el trabajo de Laia Ventayol. Esta mallorquina es de las que «Darán que hablar»
Nombre completo: Laia Ventayol García. Lugar y fecha de nacimiento: 1 de abril de 1984, en Artà (Mallorca) Residencia actual: Entre Núremberg y Mallorca. Estudios: Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2008) y estudios de Bellas Artes en la Akademie der Bildenden Künste Nürnberg (2017). Ocupación actual: Artista y parcialmente profesora de idiomas.
Qué le interesa. Soy una «artista formal» porque le doy mucha importancia a la forma. Pero en realidad me interesa hablar de la forma desde un punto de vista conceptual. Me cuestiono la posibilidad de que la identidad se pueda definir como una forma estable, duradera, y por eso mismo también me intereso por su antagónico: el movimiento, los fenómenos cambiantes… También me gusta hablar de lo extraño y lejano, aquello que, por falta de comprensión, no se puede definir y, por tanto, es informe.
Los materiales que utilizo varían dependiendo de lo que quiero decir con ellos. Ahora mismo, por ejemplo, estoy utilizando fotografía, porque encaja mejor con mi proyecto actual. De todas formas, yo diría que lo que más me divierte ver o hacer es dibujar, y también la «performance».
De dónde viene. He expuesto de manera individual en la sala Espai del CCA Andratx (Mallorca). También en un espacio alternativo que se llama Das Pumphaus Lauterbourg, en Francia. Y en 2016 he mostrado mi proyecto «Werden Bewegliche Sachen» en el festival anual de arte en el espacio público llamado Die Blaue Nacht, en la ciudad de Núremberg (Alemania). Entre las exposiciones colectivas, destacaría mi participación en el Gallery Weekend de Berlin en 2014. La exposición se llamaba «Die Offene Seite» y la presentamos en la galería Wiensowsky & Harbord.
Para mí ha sido especialmente emocionante llevar a cabo el proyecto «Werden Bewegliche Sachen». Estoy muy satisfecha con el resultado. Entre otras cosas, creo que me ha motivado el hecho de poder escoger de entre doce espacios históricos increíbles repartidos por todo el centro de la ciudad de Núremberg, exactamente esa sala en la que yo quería mostrar mi trabajo: el Krafft’sches Haus. Cuando yo veo un espacio que me gusta, tengo muchas ganas de trabajar en él. Mis proyectos siempre se adaptan al ámbito expositivo. También el hecho de cobrar honorarios y de tener un presupuesto con que pagar a algunos ayudantes ha influido positivamente en el resultado. La verdad es que creo que nunca antes había trabajado en estas condiciones tan favorables.
Supo que se dedicaría al arte desde el mismo momento mismo en que… No lo sabía. Yo empecé estudiando Biotecnología… Sin embargo, todo el mundo a mi alrededor, mi familia y amigos, sabían que yo me dedicaría al arte. Cuando empecé Bellas Artes les dije que por qué no me lo habían dicho antes… Habría perdido menos tiempo… Ellos pensaban que debía averiguarlo por mí misma, y creo que tenían razón. He aceptado que soy una persona que necesita tiempo y, de hecho, también en mi trabajo hablo de ese factor.
De todas formas, estudiar Bellas Artes no creo que fuera tampoco el elemento detonante que me hizo abrir los ojos. En todos estos años han confiado en mi trabajo varias personas individuales y algunas entidades. Yo también he ido confiando cada vez más en mi trabajo. En general, cuando se confía en un artista, este artista trabaja más y mejor, y si trabaja mejor, se confía más en él. Ha sido un proceso.
¿Qué es lo más extraño que ha tenido que hacer en el mundo del arte para «sobrevivir»? No recuerdo nada raro que haya hecho dentro del ámbito artístico para sobrevivir, a parte de aceptar algunas malas prácticas de las que, claro está, entonces no era consciente. En cambio, paralelamente al ámbito artístico, sí que he hecho muchas cosas raras. Por ejemplo, hace poco me llamaron de un estudio de sonido para grabar mi voz. Una empresa que fabrica coches eléctricos buscaba una voz joven, femenina y española para el vídeo de instrucciones de un cargador de pared para coches eléctricos. He vendido mi voz, pero es que me pagaban 60 € la hora… ¡No podía decir que no! Curiosamente a raíz de esto, empecé a grabar mi voz para aplicarla al proyecto artístico que tenía en ese momento entre manos.
Su yo virtual. Tengo Facebook y lo uso más que nada para informarme de exposiciones, conferencias, actos varios… Y seguir a mis compañeros artistas. Tengo Instagram también, y me divierte mucho, aunque lo uso más como un diario visual, no para publicar mis trabajos… Y respecto a la página web, hasta ahora había usado la que me ofrecía la Akademie, compartida entre todos los alumnos de Heike Baranowsky. Tengo pendiente hacer mi propia página individual para este año que entra. Cuando esté terminada, la publicaré en Facebook. Estad atentos.
Dónde está cuando no hace arte. Todavía no pertenezco a ningún colectivo, pero es un «gusanillo» que llevo dentro: me gustaría un día trabajar en pareja o en equipo. Y al frente de algún tipo de labor de gestión, en principio, no me veo. Lo que sí hago es colaborar siempre que puedo. Sobre todo, apoyo aquellas iniciativas independientes. Me parece muy importante que surjan corrientes alternativas al sector dominante y que sean capaces de convivir con él. Dan un toque de aire fresco al ambiente.
En octubre participé en la tercera edición de Terra Recognita. Es una exposición organizada por una compañera de la Akademie, Olesia Vitiuk, que está intentando reorientar su camino profesional hacia el comisariado. Además, en noviembre, he ayudado a otro compañero de la Akademie, Jörg Rodemer, a montar una exposición con la que opta a una beca de prestigio que dan cada año a 20 alumnos de toda Alemania. También en noviembre he participado en el I Encuentro de Arte Contemporáneo de Lanzarote. Creo que de esta manera pueden surgir colectivos y otro tipo de agrupaciones artísticas. Lo que intento es simplemente estar: Siempre te aportan algo y tú aportas algo.
Le gustará si conoce a... Los referentes van cambiando. Ahora mismo sigo el trabajo de los artistas Rosa Barba, Roni Horn, Tino Sehgal, Joan Jonas, Sophie Ricket, Janet Cardiff, Dahn Vo, Armin Linke, Michael Stevenson, Heike Baranowsky… Y en la Bienal de Venecia 2015 descubrí a Sonia Boyce, me encantó el vídeo que presentó. Pero también considero que mis referentes son algunos filósofos como Bruno Latour, Zygmunt Bauman, Byung-Chul Han… Y otros escritores que he estado leyendo últimamente como Rebecca Solnit, Virginia Woolf, Milan Kundera, Franz Kafka, Jorge Luis Borges y, más cercana a mí, Antònia Vicens…
Entre mis colegas de generación destacaría sin duda el trabajo de Marina Colomina. De Núremberg, a Cristina Moreno García, Tomasz Skibicki y a Miho Kasama. A la poeta Laia Martínez López. Y además estoy siguiendo también el trabajo de algunos artistas más o menos de mi generación, a quienes todavía no conozco personalmente, pero de los que me gusta mucho lo que hacen: Por ejemplo, Claudia Pagès o Nicolás Lamas.
¿Qué se trae ahora mismo entre manos?
El año 2017 empieza fuerte. En enero me voy a vivir a Berlín porque me han elegido para formar parte del proyecto Goldrausch Künstlerinnenprojekt. Es un programa de promoción y profesionalización de artistas mujeres en Alemania y dura un año entero. Además acaba con una exposición colectiva.
También en enero tengo una exposición individual en la galería Maior de Palma de Mallorca. Es mi primera exposición en el centro de la ciudad, lo que la puede hacer bastante visible y me hace mucha ilusión.
También formo parte del proyecto Laboratori B, organizado entre el Museo Es Baluard y el comisario Fernando Gómez de la Cuesta. Es una publicación bastante experimental y estoy intrigada por ver cómo será el resultado. Se presentará en febrero.
En octubre tengo mi última exposición colectiva, con todos los compañeros que acaban este año sus estudios, en la Akademie der Bildenden Künste de Núremberg.
¿Cuál es su proyecto personal favorito hasta el momento? Creo que estoy muy contenta con todo lo que he hecho en este año 2016. Como ell proyecto «Werden Bewegliche Sachen», que ya he comentado antes, y que va adquiriendo diferentes versiones muy interesantes dependiendo siempre de la sala en la que lo expongo. Y también el proyecto «Sin Título (interformal)», al que le tengo mucho cariño porque he empezado a utilizar el texto como material artístico, que era otro «gusanillo» que tenía dentro desde hacía mucho tiempo. Me gusta leer y, por tanto, he disfrutado de experimentar con la escritura.
¿Por qué tenemos que confiar en ella? Creo que aporto sinceridad. Intento que mi obra sea congruente con mi persona para que así el resultado muestre cierta autenticidad. Considero que los artistas que a mí más me gustan son aquellos que se ven auténticos, que se divierten trabajando, que no intentan aparentar pertenecer a un moda, a la que quizás ni pertenecen. A mí me da igual de qué disciplina venga un artista, pero quiero que esté presente y quiero poder dialogar con su trabajo. Además, ahora mismo siento que tengo la energía que necesito para trabajar en esto. Tengo muchas ganas de seguir.
¿A quién cedería el testigo de esta entrevista? A Marina Colomina. Ella estudió Bellas Artes conmigo en Barcelona y después se fue a Ámsterdam a estudiar danza. Consigue unir las dos disciplinas en una y siempre me gusta cuando hay un intercambio de conocimientos diversos en el arte.
A Cristina Moreno García. Cristina estudió Bellas Artes conmigo en Núremberg. Es videoartista. Le gusta contar historias personales y consigue unas atmósferas muy íntimas, hermosas e interesantes con sus vídeos. Además paralelamente a ello mantiene en Berlín su proyecto de gestión artística llamado Vesselroom Project. Vale la pena echarle un vistazo.
A Claudia Pagès. No la conozco, pero me gusta cómo combina textos muy interesantes con «performance» y también cómo es capaz de involucrar a varias personas en sus proyectos.
A Nicolás Lamas. Tampoco lo conozco, pero, simplemente desde un punto de vista visual, ya me encanta su trabajo. Y, sin embargo, intuyo que no se trata de una labor solamente visual.
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