domingo, 14 de septiembre de 2014

Joaquín Segura

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La galería Espacio Mínimo presenta la primera exposición individual en España del artista mexicano. Sobre el grupo de obras que conforman este proyecto, Estado de excepción, la comisaria mexicana Mariana David escribe lo siguiente:
“Y no importa cuáles sean los límites morales o las convenciones que deban romperse, si es necesario quebrantar el orden para mostrar de ese modo cierta zona nebulosa de la imaginación humana, entonces es casi una obligación hacerlo”.
Guillermo Fadanelli
(“El arte de la insolencia”. Día Siete no.48, 2009, Ciudad de México, p. 21. A propósito del trabajo de Joaquín Segura)
El escenario global nos tiene a los ciudadanos preocupados por las políticas económicas que no cesan de restringir los derechos civiles al tiempo que devastan la vida en el planeta. Imágenes de tiroteos y bombardeos en las noticias se intercalan con interminables publicidades que te exhortan a comprar un coche o un yogur con bífidus. Caminando por las calles de ciudades afectadas por el paro, como Madrid, uno se pregunta ¿de dónde saca la gente dinero para seguir consumiendo? Esto sucede en España, en México y en Jakarta, la crisis no es exclusiva de un solo país. Los problemas de cada nación están intrínsecamente ligados a los intereses del poder hegemónico que no conoce fronteras. Por ello, Joaquín Segura considera nostálgico hablar de identidad nacional y se refiere al concepto de post-nación como un “branding” que sirve para crear una falsa idea de integración.
Interesado en la naturaleza del poder, y en especial en el surgimiento y caída de aparatos políticos e ideológicos, su obra indaga en las fisuras y contradicciones que precisamente han hecho a dichas estructuras derrumbarse. Pero lejos de pretender una reivindicación o enaltecer la subversión, el trabajo de Segura confronta al espectador con sus propios fantasmas. Nos presenta con la paradoja de que todo puede ser negado, destruido o borrado. Desde la disidencia checa durante la era soviética hasta la existencia del Frente Popular Farabundo Martí en El Salvador, lo que parece sobrevivir de estos movimientos son meros documentos que el artista reproduce y al hacerlo, los transforma en obras de arte. El contenido político queda diluido en objetos de plusvalía. ¿Acto de provocación? Depende de donde se posicione el espectador.
Segura acude a micro-relatos para evidenciar lo que él llama “el triunfo del fracaso”, que se traduce a la caída de toda ideología que niegue la realidad, por un lado, y a todo acto revolucionario en el ámbito político, por otro. En la obra titulada “Estudio material sobre la revuelta #1” (2014), los objetos utilizados como proyectiles en escenarios de protesta en la ciudad de México son fotografiados a manera de catálogo etnográfico. El resultado nos recuerda el valor de fetiche histórico que adquieren estos artefactos, pero también la inevitabilidad aplastante del poder hegemónico que hace cuestionarnos la efectividad de las protestas callejeras.
El recurso de la traducción y la pérdida de sentido se hace evidente en “Los anarquistas y las bombas” (2013), video que muestra a una mujer interpretando -en lenguaje de signos- un texto publicado en la gaceta anarquista “Tierra y Libertad” de 1907. El formato genera un distanciamiento entre el contenido y el público auditivo, donde las consignas anarcosindicalistas se reducen a gestos reproducidos en un monitor.
Por más que Segura afirme que con su trabajo le gusta “tomar distancia y ver las cosas desde afuera”, en su afán por coleccionar símbolos y momentos de la historia política siempre está presente una implicación, aunque sea por el simple hecho de rescatar episodios perdidos en los anales de la Historia.
Esta serie de trabajos que conforman la exposición, obras producidas desde 2011 y otras específicamente realizadas para la ocasión, nos ofrecen un panorama mental de desasosiego que en el mejor de los casos nos permitirá visionar rutas de escape de este estado de excepción permanente en el que vivimos.
Joaquin Segura (Ciudad de México, 1980) vive y trabaja en México, DF. Su obra se desarrolla en plataformas como la instalación, fotografía, acción o video y ha sido mostrada en exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Europa y Asia, en espacios como la Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Carrillo Gil, La Panadería, Museo Tamayo Arte Contemporáneo en México, así como El Museo del Barrio, Anthology Film Archives, White Box y Apexart (New York), LA>
Joaquín Segura.- Revolución o muerte. 2011. Pintura/óleo sobre lienzo. Díptico 135 x 100 c/u CM.
Joaquín Segura.- Revolución o muerte. 2011. Pintura/óleo sobre lienzo. Díptico 135 x 100 c/u CM.
Joaquín Segura.- Notas sobre México. 2014. Escultura/Papel y roca. 15 x 20 x 16 / cm.
Joaquín Segura.- Notas sobre México. 2014. Escultura/Papel y roca. 15 x 20 x 16 / cm.

sábado, 13 de septiembre de 2014

Elmgreen & Dragset




Michael Elgreen e Ingar Dragset vienen desarrollando su trayectoria artística en colaboración desde que se conocieran en 1995. Aunque sus trabajos iniciales se desarrollaron sobre el formato performance, la mayor parte de su obra transita por el lenguaje de la escultura que posteriormente se verá amplificado a la ocupación de grandes espacios y la recreación de arquitecturas o ambientes. 

Probablemente el tema vertebral de su expresión artística sea la homosexualidad contemplada no sólo desde el activismo, sino desde la crítica, siempre impregnada de grandes dosis de sarcasmo, con algunas de las costumbres sociales y lugares comunes asociados. En sus manos, un urinario —objeto icónico tanto para el arte contemporáneo como para la cultura gay— es instrumentalizado para tratar asuntos como el matrimonio o la promiscuidad. 

Otro de sus puntos de interés son los mecanismos relativos al arte contemporáneo. De tal modo, cuestionan el cubo blanco como espacio expositivo oficial y lo entierran, lo cuelgan de globos para hacerlo flotar, lo ondulan como un tobogán o rompen las paredes para abrirlo al exterior. Claro ejemplo de ello pudiera ser su aclamada intervención de 2005 para la Fundación Marfa, donde construyeron una tienda Prada en mitad del desierto de Texas. 

El desarrollo natural de su trabajo les ha llevado a realizar obras cada vez mayores y más complejas hasta recrear espacios que, a primera vista, pueden parecer reales: una estación del metro del Nueva York de la década 80 en los albores del SIDA —End Station, 2005—, los distintos lugares de la sociedad del espectáculo —The Welfare Show, 2005— o un completo edificio de viviendas dentro del museo a disposición del espectador curioso —The One & The Many, 2010—.

viernes, 12 de septiembre de 2014

El Museo Reina Sofía está en las últimas



Vuelve la sequía al Museo Reina Sofía. “Dalí fue una cosa excepción”.Manuel Borja-Villel, director de la nave en medio de la zozobra, explica a la prensa que aquello, la "cosa", fue un sueño. La institución regresa a la repercusión de 2012, se olvida de 2013 y 2015 seguirá la misma tónica: dos millones y medio de visitas y una caída del 20% respecto al año en el que se fraguó la exposición temporal más vista de la historia de España (732.339 personas, más de 6.000 personas diarias).
Dalí fue un sueño. Un mal sueño, a la vista de aquel polémico editorial, del que trata de recuperarse el museo sin que parezca haber aprendido mucho. Tras la conclusión del hito museográfico, Borja-Villel reconocía a este periódico que la fascinación por el pintor surrealista había acercado al museo a nuevos visitantes (que incluso llamaban preguntando qué ropa llevar). Señaló quehabía aprendido a “hacer atractiva una obra de arte” y "a crear puentes con la sociedad”. Sin embargo, los números que él y el subdirector gerente,Michaux Miranda, han ofrecido a la prensa demuestran todo lo contrario. 
Es más, a la vista de la información facilitada, no habrá otra gran exposición de vanguardias históricas que vuelva a enganchar al gran público en los próximos tres años. Aquí no, pero en el extranjero sí: una de las exposiciones que más beneficios le está reportando en alquileres es Miró: la experiencia de mirar, que girará por tres museos norteamericanos durante dos años. Picasso y la modernidad española estará en el Palazzo Strozzi de Florencia (por la que ha pagado 300.000 euros). La exhibición de Dalí viaja a Brasil.
Números rojos
“En 2014, hemos llegado a las cifras rojas. Ya no somos capaces de seguir reduciendo el gasto. Lo siguiente es apagar la luz”, explicó dramático el gerente para mostrar su preocupación ante los recortes en subvenciones. La respuesta a la alarma financiera desvelada –con pérdidas en 2014 próximas al millón y medio de euros- es: “Estamos en ello”. Borja-Villel se refiere a que ultiman el presupuesto con unos y otros, es decir, Hacienda y Cultura. “Quehemos tocado fondo todo el mundo es consciente”, añade. Esperan mantener las mismas ayudas y que no se retire la asignación de 300.000 euros en adquisición de obra.on. (EFE)
Michaux Miranda se sorprendía antes los medios del tratamiento de las informaciones económicas que se hacen sobre las cuentas de los museos: “Es curioso el enfoque que veis en la prensa: un museo no es una empresa privada”. Por su parte, el director del Museo Reina Sofía, el único director de museo público español con coche oficial, aclaró que mantendría el servicio del parking móvil, porque “el coche oficial es del museo y lo utiliza a quien le haga falta”. “Ahorramos mucho más dinero al museo”, explica, debido a que el coste no se computa a las cuentas. “No es un coche oficial, es el coche del museo”.
El año pasado, asegura la dirección, el alquiler de los fondos le reportó al museo un millón de euros. Recordemos, que el Museo Nacional del Prado sólo la muestra que alquiló al National Gallery de Victoria (Melbourne, Australia) le sirvió para alcanzar un millón y medio de euros. “La prioridad para este museo siempre es académica, no económica”, aclara a pesar de todo su director.
Al gusto del consumidor
¿Por qué lo que exporta el museo es tan distinto de lo que ofrece en su sede? Es el resultado de la ley de la oferta y la demanda. “Depende de lo que les interese a las otras instituciones. La colección está muy centrada en las Vanguardias. Hay cosas que fuera interesan y otras no. Hay exposiciones que es más complicado que puedan viajar, porque el Museo Reina Sofía tiene una identidad muy clara y otros museos no la comparten”.1977'
Tampoco se ha conseguido exportar el arte contemporáneo español, uno de los puntos fuertes del programa de la dirección. Para el año que viene, la apuesta en la sede se centrará en Daniel García Andújar (Almoradí, 1966), Juan Luis Moraza (Vitoria, 1960), Patricia Gadea (Madrid, 1960-Palencia, 2006) yFederico Guzmán (Sevilla, 1964). Prima en ellos “el análisis de la sociedad, cómo el arte puede servir para crear nuevas formas de gobernanza, cómo en apariencia las nuevas tecnologías permiten un desarrollo democrático, pero no es así”.
De las 13 exposiciones temporales para 2014-2015, 6 están firmadas por el director y el subdirector como comisarios. "Es un trabajo colectivo –explica el director-, trabajamos con nuestros conservadores de una manera muy intensa. Miró está hecha desde Colecciones", pero la firma Carmen Fernández, la Conservadora Jefe de Escultura.
La Fundación, casi
Como ayer adelantaba este periódico, Ana Tomé se hará cargo de la dirección de la Fundación del Museo Reina Sofía, aunque Borja-Villel no quiso adelantar más porque se hará otra presentación el 13 de octubre. “Buscábamos una figura que conociera muy bien Latinoamérica, que estuviese bien relacionada con los coleccionistas y los artistas”, dijo el director. “La idea de la Fundación es buscar recursos, pero no sólo eso. También debe buscar obra y colecciones, captar archivos, fomentar la parte de la educación”. 

jueves, 11 de septiembre de 2014

Madrid, capital del arte contemporáneo




Si uno piensa en galerías de arte, la mente le lleva a algún diáfano espacio en el SoHo neoyorquino, al moderneo londinense de Brick Lane o Mayfair o a la solera del señorial barrio berlinés de Mitte. En su quinta edición, Apertura vuelve a recordarnos que Madrid es también capital del arte contemporáneo, tras consolidarse en su pasada edición como la Gallery Weekend más concurrida, por volumen de público y galerías participantes, después de la de Berlín.
En este fin de semana largo (11, 12 y 13 de septiembre) se podrán visitar hasta 44 exposiciones y disfrutar del trabajo de medio centenar de artistas en activo o de figuras relevantes del siglo XX. "Somos una industria cultural totalmente gratuita y ofrecemos la posibilidad de disfrutar del arte más fresco, del que es reflejo de la sociedad en que vivimos", resalta Damián Casado, presidente de la asociación gremial Arte_Madrid que agrupa más de 40 galerías de la ciudad (que suponen el 50% de las existentes en toda España). De estos años, destaca "la unión de los asociados, de diferentes generaciones y estilos. Apertura era un reto y había que conseguirlo".
La incorporación de importantes instituciones culturales (el Thyssen, CentroCentro, las fundaciones Mapfre, Telefónica, el Museo Lázaro Galdiano, el ABC, el Centro Conde Duque) es una de las novedades más importantes: "Es algo genial, porque ellos de motu propio han aprendido lo que es Apertura". Todos ofrecerán recorridos por sus principales exposiciones a los visitantes, dirigidos por sus directores o jefes de colecciones. Por ejemplo, Manuel Borja-Villel hará lo propio por la colección del Reina Sofía, que junto al Centro de Arte 2 de Mayo han sido colaboradores tradicionales de este Gallery Weekend.
El sábado 13, de 11 a 15 horas, los visitantes pueden dejarse enamorar por el estómago en el 'brunch' que celebran todos los espacios participantes, mientras que los aficionados al paseo o aquellos que no se hayan atrevido a acercarse a este mundo de apariencia (y en ocasiones, fehacientemente) elitista deben apuntarse a los ARCO Gallery Walks, tres recorridos en horarios distintos para visitar junto a expertos las galerías de los diferentes distritos (a saber, barrio de Salamanca, de Lavapiés, de las Letras y Plaza de Las Salesas). Si todas estas actividades despiertan 'vocaciones' de coleccionismo, el programa ofrece unas sesiones sobre este aspecto y el Arte Contemporáneo que aúnan los puntos de vista de una galerista (Eva Ruiz), un crítico (Óscar Alonso Molina) y un coleccionista (Jorge Pallarés).
La oferta incluye todas las disciplinas, desde la instalación, de mano de Claudia Wieser (en la Galería Casado Santapau puede contemplarse su creación, mezcla de técnicas artesanales e impresión digital), a la pintura (por ejemplo, la abstracción y exploración de materiales del español Jorge Galindo, en Helga de Alvear), pasando por la fotografía (el trabajo de Pablo Boneu, con instantáneas impresas en hilo que pueden verse en Blanca Berlín) o la escultura(Milena Muzquiz muestra en Travesía Cuatro sus investigaciones sobre la cerámica, inspiradas por las pinturas de naturalezas muertas danesas del siglo XVI).

BLANCA ORAA MOYUA

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