Christo Cancels Project over Trump

and the 9 Other Biggest News Stories This Week

01  Christo will abandon a planned Colorado installation to protest President Donald Trump. More » 02  South Korea’s minister of culture resigned after it was discovered that she had blacklisted some 10,000 artists, preventing them from receiving funding. More » 03  The Bronx Museum of the Arts will not be receiving a loan of works from Cuba because of fears that the pieces could be seized by U.S courts. More » 04  On Sunday, Spain’s Interior Ministry announced the arrest of 75 people across Europe for trafficking in stolen art and artifacts. More » 05  The company art collection of German food manufacturer Dr. Oetker will return a portrait by Anthony van Dyck to the heir of a Jewish art dealer who fled the Netherlands. More » 06  A merger between the forthcoming World War II museum in Gdańsk and another war museum led by minister of culture Piotr Glinski has potentially endangered the autonomy of the proposed major new museum. More » 07  MoMA has lost a sculpture it commissioned from artist Pat Lasch in 1979. More » 08  The Los Angeles County Museum of Art has acquired the popular Rain Room. More » 09  Actor Shia LaBeouf was arrested while mounting an art installation, a livestreamed protest of President Donald Trump. More » 10  A British art forger has been sentenced to three years and seven months in prison after pleading guilty to charges of fraud and forgery. More »

BEATRIZ HERRÁEZ

Beatriz Herráez es historiadora del arte y comisaria. Sus ámbitos de investigación incluyen la construcción de relatos historiográficos vinculados con los lenguajes del arte contemporáneo y la teoría feminista. Entre sus comisariados recientes se encuentran la exposición del trabajo realizado por la escultora María Luisa Fernández entre los años 1979 y 1997, presentada en Azkuna Zentroa en Bilbao (2015) y próximamente en el Museo Marco de Vigo (2016); o el co-comisariado de “Mínima Resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90” en el Museo Reina Sofía en Madrid (2013-2014). Ha sido comisaria de muestras individuales de artistas como Susan Hiller, Néstor Sanmiguel Diest o Juan Luis Moraza, y actualmente trabaja con Erlea Maneros Zabala en una exposición que será presentada en el Mncars.

Desde 2014 forma parte del Consejo Vasco de la Cultura; entre 2011 y 2014 fue miembro de la Comisión Técnica del programa Eremuak; y entre los años 2007 y 2011 ocupó el cargo de comisaria-jefe del Centro Cultural Montehermoso Kulturunea en Vitoria-Gasteiz, un proyecto de arte contemporáneo que incorporaba de manera transversal el pensamiento feminista a sus programas.

Cabello Carceller

Cabello Carceller

14 h · 

Mañana jueves 19 de enero inauguramos "Borrador para una exposición sin título (cap. II)". Hemos trabajado a tope estos días con Manuel Segade y con todo el equipo del CA2M y ya nos apetece compartirlo con vosotras y vosotros... Os esperamos mañana a las 19 h. en el CA2M, Móstoles.

DIEZ MUJERES DADAÍSTAS QUE DEBEMOS CONOCER

El dadaísmo fue una corriente opositora al arte tradicional, no sólo de la pintura o la escultura, también se opuso a la literatura y a la poesía. Esta corriente sentó las bases para el arte conceptual, el performance y las instalaciones; formas de expresión artísticas novedosas para ese tiempo y tan comunes en la actualidad.

Son varios los artistas que pertenecen a este movimiento, pero entre los más conocidos se encuentran Marcel Duchamp, Man Ray y Tristán Tzara. Cabe destacar que en esta época las mujeres comenzaron a tener un rol más activo, no sólo en ámbitos políticos y sociales, sino también artísticos.

En el movimiento dadaísta surgieron mujeres con una capacidad creativa admirable en el uso de colores, materiales y habilidades para dar forma a obras únicas, así como en la expresión sentimental a través de la poesía, actuaciones y representaciones sobre el rol de la mujer en la sociedad; las artistas dadaístas crearon obras con un trasfondo sobre la posición de la mujer en la sociedad y un fuerte deseo de cambio.
A continuación te presentamos algunas de las artistas dadaístas más representativas:

Hannah Höch

Con sus collage y fotomontajes, Hannah Höch transmite gran inconformidad hacia distintas situaciones de su época: el gobierno alemán, el rol de la mujer y la creación de ideales de belleza en los medios de comunicación, es esta crítica hacia la forma de ver la figura femenina a través de lo que dicen los medios, por lo que ha sido considerada una de las primeras feministas; en su obra descompone esos ideales de belleza creando imágenes abstractas y amorfas.

Suzanne Duchamp

Hermana del emblemático Marcel Duchamp, Suzanne afrontó varios obstáculos para desarrollarse como artista, no obstante, gracias a su hermano pudo superarlos y obtener el debido reconocimiento como pintora. Su trabajo es la expresión pura del dadaísmo: pintura, collage y poesía, están siempre presentes en sus obras, sobre todo en Multiplication brisée et rétablie, su obra más representativa.

Sophie Taeuber-Arp

Pintura, baile, escultura y diseño de vestuario, son sólo algunas de las disciplinas que dominaba Sophie Taeuber-Arp, una mujer con grandes habilidades artísticas y perteneciente a diversas corrientes, Sophie utilizaba la libertad que le daba el arte para expresar todo lo que su personalidad tímida y reservada no le permitía. Colores vibrantes, formas geométricas, habilidad de diseño textil y de interiores, son algunas de las características del trabajo de una de las artistas más prominentes del siglo XX.

Beatrice Wood

“Mamá Dada” fue el apodo dado a Beatrice Wood en el círculo dadaísta. Ella no era pintora o escultora, sino ceramista. Muchos pensarían en el oficio de la cerámica como una forma de crear objetos con el fin de adornar algún espacio, pero Beatrice Woods lo adopto como su forma de expresión. Combinando la cerámica y el dibujo, nos transmite su gran humor, ingenio y alegría por la vida a través de sus piezas.

Emmy Hennings

Fundadora y dueña del Cabaret Voltaire, centro de reunión de los pertenecientes al circulo dadaísta, Emmy Hennings fue también esposa del poeta dadaísta Hugo Ball. El Cabaret Voltaire era donde Emmy presentaba sus poemas, además de ser cantante, bailarina y performer. La obra de Emmy Hennings nos habla de temas muy controversiales para la época: el amor libre, la anarquía y el deseo de una revolución social eran las preocupaciones de Emmy.

Elsa von Freytag-Loringhoven

Un collage viviente era Elsa von Freytag-Loringhoven. Poeta provocativa, artista atrevida, Elsa von Freytag-Loringhoven no sólo utilizaba la pintura y la escultura para expresarse, su herramienta principal era su cuerpo, capaz de convertir cualquier utensilio en un pieza de ropa o pasear desnuda por las calles de Greenwich Village. Tuvo un performance en compañía de Man Ray y Marcel Duchamp, en el cuál ella rasuraba su vello púbico y al finalizar paseaba desnuda por las calles de Nueva York, en compañía de sus amigos dadaístas.

Mina Loy

Una prominente escritora, capaz de incomodar a los miembros de la élite y enfurecer a los hombres por medio de sus letras, Mina Loy fue de las escritoras dadaístas más importantes. Además de ser escritora y poeta, Mina creaba sus obras utilizando cualquier cosa que encontrara en los basureros de Nueva York.

Clara Tice

Mujer revolucionaria e icónica, Clara Tice es llamada “Reina de Greenwich Village”; fue de las primeras en recortar su cabello, subir el dobladillo de su falda y usó la moda y la ilustración para exaltar las cualidades de la mujer moderna. Su preocupación por el desarrollo del individuo fue manifestada de diversas maneras. En sus ilustraciones se aprecia movimiento y despreocupación, una obra que llama a la libertad.

Toyen

Una vida independiente, sin ataduras a la familia, la negación del nombre dado por sus padres: Toyen es un ejemplo de una vida de anarquía. Su verdadero nombre es Marie Cerminova, y su lucha por la independencia la llevó a expresarse por medio de imágenes eróticas, siendo éstas la forma más contundente de dar a conocer su opinión y su mensaje.

Juliette Roche

De origen aristócrata, rodeada de discusiones de política y arte, Juliette Roche perteneció a dos de los movimientos más importantes en la historia del arte: el cubismo y el dadaísmo. Juliette en su obra poética y pictórica mostraba a una mujer independiente, capaz de valerse y expresarse por sí misma. Aprovechaba el cliché a favor de su obra literaria, conjugándolo con diversas tipografías. Experimentó con poesía acompañada de diseño.

Florine Stettheimer

Rompiendo con la percepción de los artistas solitarios, incomprendidos y amargados, Florine Stettheimer retrataba paisajes y salones llenos de color, crítica sutil y contundente del comportamiento de las clases privilegiadas en el periodo entre guerras. Florine Stettheimer además de ser pintora, era una poeta consciente y preocupada por su entorno, sobre todo en cuestiones como el consumismo y la verdad oculta del matrimonio.

A Timely but Limited Look at Feminist Art from the 1970s

Lynda Benglis, “SELF” (1970–1976/2012) (all photos by the author for Hyperallergic)

In an image from her photographic portfolio, Self (1970–76), entitled “Fling, Dribble, and Drip” (1970), Lynda Benglis hovers, midway through pouring a bucket of fluorescent-pigmented liquid latex onto the floor. This photo, currently on display at The Photographers’ Gallery in the exhibition Feminist Avant-Garde of the 1970s, is an ironic imitation of the presumed masculinity and heterosexuality of the abstract expressionist gesture. Given the male-dominated Abstract Expressionism exhibition concurrently on view 10 minutes down the road at the Royal Academy of Arts, Benglis’s parody seems particularly timely.

“Feminist Avant-Garde of the 1970s,” installation view

Feminist Avant-Garde draws entirely on the Viennese Sammlung Verbund Collection, which has been gathering photographic and video works from the 1970s feminist art movement since 2004. Curator Anna Dannemann has arranged more than 200 works into four loose themes — the rejection of the domestic space, the novel use of the female body in art, the collapsing of normative beauty standards, and the use of masquerade in photography — to probe stereotypes of femininity. Each section radically disrupts male-coded spectatorship.

Immediately disturbing are the semantics of imprisonment in the domestic domain as we watch Martha Rosler’s seminal “Semiotics of the Kitchen” (1975). Set alongside it is “High-rise No 1” (1974) by the lesser-known Renate Eisenegger, in which she monotonously crawls around a high-rise building block, her white-painted face erasing her identity as she performs the Sisyphean act of ironing the floor. French artist Orlan’s “Strip-tease occasionnel avec les draps du trousseau” (1974-1975) is a more playful exploration of the female condition. Initially photographed as a Baroque Madonna with one exposed breast, suckling a swaddled bundle, her garments are gradually removed until, ecstatically stripped bare, Orlan finally appropriates the erotic pose in Botticelli’s “The Birth of Venus”. She divests the Virgin Mother of her layers of drapery in order to challenge cultural constructions of women as either virgin or whore, and by doing so, liberates her own sexual identity.

ORLAN, “Strip-tease occasionnel avec les draps du trousseau” (1974–1975)

Renate Eisenegger, “High-rise No 1” (1974)

In compete contrast appears an understated photograph of Birgit Jürgenssen hiding part of her face behind a slither of fox fur, and then Alexis Hunter’s Identity Crisis (1974), a series of six photos taken by different people in her life, each demonstrating an entirely different disposition. These masquerades attempt to obscure the stereotypes imposed by the gendered gaze. The common thread in each of these works is the strategy of self-representation. Using their own bodies, these women become both subject and object, reversing the art-historical norms dictating that a woman cannot simultaneously be a sexed object and a creator of meaning.

Alexis Hunter, “Identity Crisis (maquette)” (1974)

Lorraine O’Grady, Detail from “Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle-Class)” (1980–1983/2009)

The scarcity of reference to non-Western and non-white artists presents the most problematic element of this show. Lorraine O’Grady’s “Mlle Bourgeoise Noire” (1980–83) is one of the few works where gender and racial politics coincide. Placed in the section exploring the ideal of female beauty, O’Grady documents a performance by her alter ego, an imaginary Caribbean beauty queen. In a robe made of 360 white gloves, Mlle Bourgeoise Noire is escorted to Just Above Midtown, the first black avant-garde gallery in Manhattan, where she begins to hand out white chrysanthemums to attendees. She subsequently removes her cape and begins to lash her own back with a whip while shouting out a protest poem, culminating in the lines “BLACK ART MUST TAKE MORE RISKS” and “NOW IS THE TIME FOR AN INVASION.”

Ana Mendieta, “Untitled (Glass on Body Imprints)” (1972/1997)

The effect of these photographs and the story they tell are ultimately overwhelmed by the disproportionate number of white artists who also protest against the normative standards of beauty. For the same reason, it’s all too easy to overlook Ana Mendieta’s serial expression of the grotesque in relation to the perception of a woman of colour in her “Untitled (Glass on Body Imprints)” (1972). This imbalance is unsurprising since the exhibition has been restrained to a single collection, the contents of which only represent a fragment of the multifaceted feminist avant-garde of the 1970s.

Birgit Jürgenssen, “Untitled (Self with Fur)” (1974/1977)

The onus is on the viewer to detect these flaws and yet to also recognize the timeliness of the principle themes of this show. A few months ago, a Muslim woman was forced to remove her clothing on a beach in France as two male policemen towered over her with guns. A man who has been accused of multiple acts of sexual assault is about to become the 45th President of the United States of America. Far from perfect, this exhibition marks a step toward empowering voices that could do much to liberate our own identity from the cultural codes by which it continues to be confined.

Feminist Avant-Garde of the 1970s continues at The Photographers’ Gallery (16-18 Ramillies St, London W1F 7LW) through January 29.

SERGIO PREGO Y EL ESPACIO

Foto de Sergio Prego

Sergio Prego, estudió en la Facultad de Bellas artes de Bilbao y posteriormente completó su formación en Arteleku, San Sebastián. Este artista, ha realizado exposiciones a nivel internacional entre las que destacan Art 41 Basilea, el centro Arte Contemporáneo de Siena o PS1 de Nueva York. También, ha expuesto en el Museo Guggenheim de Bilbao y en Art Unlimited.

High Rise

High Rise es una respuesta plástica a la nueva idea de museo. Esta muestra, como los materiales utilizados para llevar a cabo la escultura son dúctiles y ligeros. La localización, se encuentra en el zaguán de entrada y el nuevo espacio expositivo de tres plantas de altura abierto en el corazón del Centro. La composición de la escultura, se ha reducido a la utilización de cuerpos geométricos básicos. La forma, solo existe en un estado determinado o gracias a la acción realizada con los materiales de la misma.

Foto de una instalación de Sergio Prego, sin título, 2011

Inspirada en la arquitectura de membranas, una técnica de finales de los años 60, es un sinónimo de autonomía variable, el aislamiento y la necesidad de integración convergen en un mismo punto. La pieza de Prego, compuesta por diferentes piezas, forma un conjunto de acumulación. Los tetraedros, de cartón rígido, investigan la articulación de los volúmenes aplicando así una serie de posibilidades de articulación que dotan a la pieza de cierto aire cambiante. 

Foto de una instalación de Sergio Prego, sin título, 2011

Lo curioso de esta puesta en escena, es que permite al espectador adentrarse en la pieza e interactuar con ella, creando un vínculo afectivo. La suma de elementos hinchables, en diferentes plantas remarca el carácter modular de esta y consigue que aire recorra el interior. Podéis disfrutar de esta exposición en el CA2M (Móstoles) hasta el 26 de febrero.