jueves, 25 de septiembre de 2014

La galerista Soledad Lorenzo regala su historia al Reina Sofía



Soledad Lorenzo, uno de los faros de costa del galerismo español de los últimos 30 años, llegó al arte por accidente. Su padre, Pedro Lorenzo, tuvo la culpa. En los años duros de la posguerra, con la familia 'desplazada' a Barcelona, aquel empresario textil represaliado por su firmeza republicana visitaba cada domingo las galerías de la ciudad con una niña de la mano. Aquella párvula, tras muchos avatares y traspiés, sorteando momentos difíciles y revocando un destino que a los 40 años le obligó a reinventarse, llegó al mundo de arte rescatando de la memoria aquellas conversaciones sobre arte con su padre, aquellas visitas a las galerías de entonces, aquella pasión por la cultura que flotaba en su casa. Mucho tiempo después, Soledad Lorenzo se convirtió en
 una de las galeristas más respetadas de Europa, apoyó la confección de un paisaje artístico solvente en el erial de la España de los años 70 y 80 (en la estela de Juana Mordó y en línea con Juana de Aizpuru, Elvira González y Helga de Alvear) y abrió galería propia.Su nombre fue su marca. Esa aventura duró 25 años. Y en diciembre de 2012 plegó el mítico espacio de la calle de Orfila, en Madrid, desde donde educó a varias generaciones para el arte contemporáneo. El mismo lugar donde "inesperadamente", asegura, forjó con el tiempo una excelente colección de obras. La misma que ha decidido donar al Museo Reina Sofía en la que es la mayor cesión privada en la historia de la institución: 385 piezas de 90 artistas. Pintura, escultura, fotografía, instalaciones, vídeo y papel. Una metralla fastuosa.
"Hace algo más de dos años que comencé a pensar qué haría con la colección. No tengo hijos y para mis sobrinos sería un inconveniente mantener todo esto", explica Soledad Lorenzo a EL MUNDO. "Entonces creí conveniente proponerle al Reina Sofía que fuese depositario de mis obras. Es un gran museo en manos de un extraordinario director, Manuel Borja-Villel. Me interesaba que el destino de mi fondo fuese a parar a un museo público, donde sirva a la sociedad. Uno de los sentidos del arte, para mí, es educarnos la inteligencia de la mirada, así que no hay mejor espacio que el Reina Sofía".
La fórmula adecuada que las dos partes (museo y galerista) han fijado es la de un registro temporal de la colección por cinco años con promesa de legado. Tan sólo faltan los últimos trámites de estampación de firma, que se concretarán en estos días. "Es decir, las obras se quedarán definitivamente en el museo", sostiene Borja-Villel. "Es una donación impresionante y Soledad Lorenzo ha manifestado una enorme generosidad". Ahora falta por estudiar cómo se integrarán las obras en la colección permanente de la institución. "No he puesto ninguna condición sobre cómo exponerlas", explica Lorenzo. "Respeto mucho el criterio del director y sabrá hacerlo de la mejor manera posible. Lo único que he pedido es que se use. Que no se guarde en el almacén, que se conviertan en parte viva del museo".
El Museo de Arte Contemporáneo y Moderno de Santander (MAS) exhibió parte de la colección de Soledad Lorenzo el pasado verano. Y en invierno fue el Centro del Carmen de Valencia quien acogió otra muestra sobre estos fondos. "La primera persona que me hizo ver la cantidad de obras que tenía fue Salvador Carretero, director del MAS". Los artistas más representados son algunos de los que dieron cuerpo a la nómina de su galería: Palazuelo, Barceló, Sicilia, Uslé... Y de todos guarda anécdotas sobras las piezas que Soledad Lorenzo fue adquiriendo. En el salón de su casa, por ejemplo, cuelga una tela de Uslé de la serie 'Soñé que revelabas', que ella adquirió al artista en la última exposición que hicieron juntos en Madrid. "Lo singular es que esa obra fue reservada con antelación por un cliente. Es decir, estaba medio vendida, pero el tiempo pasó y quien la quería adquirir perdió el interés, así que cuando se disolvió la venta me la quedé yo. Como verá, de nuevo el accidente".
En casa de Soledad Lorenzo hay ocho grandes telas y dos o tres esculturas. "Estas, de momento, se quedarán conmigo aunque forman parte de la donación. He pedido al museo que me las deje. No quiero quedarme sin las obras que me acompañan. Incluso hemos llegado al acuerdo de poder cambiarlas por otras cuando lo consideremos oportuno. Es decir, ahora será el Reina Sofía quien me preste obra a mí", bromea la galerista.
Sólo hay una pieza que no está en el documento original de esta operación: la escultura de la serie de arañas de la artista estadounidense (de origen francés) Louise Bourgeois. "Fue un regalo que me hizo ella poco después de conocernos. Es una pieza muy especial para mí. Esa se quedará conmigo hasta el final".
Y, una vez más, cuando menos lo esperas, Soledad Lorenzo vuelve a afirmar lo que no ha dejado de decir: "Nunca he sido coleccionista, sino galerista. Que quede claro". Y claro queda, con el paradójico detalle de que ha realizado la mayor donación de obras contemporáneas a un museo español.

martes, 23 de septiembre de 2014

El MACBA muestra la obra del grupo de arte conceptual «Art & Language»



El MACBA muestra desde mañana hasta el 12 de abril una amplia retrospectiva del grupo de arte conceptual "Art & Language" en una exposición con obras de la colección del francés Philippe Méaille que no se habían exhibido desde los años 60. La colección Méaille, depositada en el MACBA desde 2010, cuenta con más de 500 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, documentos, escritos, mecanoscritos, anotaciones, microfilmes, maquetas y publicaciones, que permiten trazar un recorrido por una de las experiencias artísticas más complejas y beligerantes de la segunda mitad del siglo XX, ha explicado el comisario de la muestra, Carles Guerra.
La producción del colectivo Art & Language desafía el vocabulario propio de la historia del arte, pues en su práctica adoptó la conversación como lugar de trabajo, "cuestionando qué debería ser identificado como objeto artístico y reconsiderando el papel de la escritura en la práctica del arte", ha recordado el comisario.
Coproducida con el Museo de Arte Moderno de París, la exposición, titulada "Art & Language incompleto", evoca la minuciosa red intelectual que tejieron los artistas del grupo: Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin, Ian Burn, Joseph Kosuth, Philip Pilkington, Mel Ramsden, Dave Rushton y el historiador del arte Charles Harrison.
A principios de los años 70 el grupo contaba además con una amplia nómina de artistas con base en Nueva York, entre ellos Michael Corris, Andrew Menard, Kathryn Bigelow y Preston Heller.
A partir de una plataforma de ideas como era la revista "Art-Language", que publicó su primer número en 1969, Art & Language sometió a crítica el sistema de arte moderno y sus premisas a partir del lenguaje, el discurso y la conversación.
Desafiaron el vocabulario existente en la historia del arte y rechazaron afiliarse a cualquier identidad artística definida.
En la exposición se pueden constatar las colaboraciones puntuales del grupo con el colectivo alemán The Jackson Pollock Bar y con el músico Mayo Thompson y el grupo The Red Krayola, quienes desde mediados de los años 70 han puesto música a textos con los que Art & Language arremete contra las políticas culturales del arte contemporáneo.
Michael Baldwin ha dicho que "esta colección fue adquirida de manera inusual por parte de Philippe Méaille, con quien hemos tenido una relación nada estereotípica".
Para Mel Ramsden, "parte de la obra expuesta es un material que no sólo son escritos de los artistas, sino el pensamiento de unos jóvenes que luchaban en un momento determinado de los años 60, cuando el arte moderno entró en una crisis interna en la tradición de Duchamp".
"Nunca habríamos podido imaginar que se mostrarían aquellas obras ahoray de este modo en un museo y eso ha sido posible por Méaille y por el equipo del MACBA", ha añadido Ramsden, para quien "exponer en la institución museística podría ser visto como una contradicción", aunque para Baldwin "si la exposición provoca una curiosidad y un interés en parte de la gente, entonces no habrá una contradicción".
El director del MACBA, Bartomeu Marí, ha remarcado que "Art & Language es parte de la historia del arte contemporáneo, pero al mismo tiempo es un grupo vivo que continúa creando a través de los artistas Mel Ramsden y Michael Baldwin", y por esta razón la exposición huye de una visión arqueológica.
Como heredero de coleccionistas de arte, Méaille tomó la decisión de vender algunas obras antiguas para iniciar hace veinte años su propia colección, que comenzó con piezas de videoarte. "Cuando conocí Art & Language pensé que era la aventura más grande ante la que me enfrentaba", ha confesado hoy en Barcelona.
Patrocinada por la Fundación AXA, la exposición se mostrará en 2016 en París y tras su exhibición en Barcelona viajará a otras instituciones museísticas en un formato diferente como la Galería Nacional de Arte de Noruega

lunes, 22 de septiembre de 2014

El arte que oculta la miseria y el peligro de la economía hipster

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El 16 de mayo, una artista, una compañia de trenes y una agencia gubernamental se gastaron 291.978 dólares para ocultar la pobreza de la mirada pública.
Psychylustro es un proyecto de la artista alemana Katharina Grosse, una obra a gran escala diseñada para distraer la atención de los pasajeros de los trenes Amtrak y que no sean conscientes de los edificios y fábricas en ruinas del norte de Filadelfia. La ciudad tiene una tasa de pobreza del 28 por ciento (la más alta entre las ciudades importantes de los Estados Unidos) que se concentra principalmente en el norte. En algunas escuelas primarias del norte de Filadelfia, casi todos los niños viven por debajo del umbral de la pobreza.
grosse1
Grosse contó con el apoyo de la NEA (National Endowment of the Arts) y Amtrak para enmascarar la miseria del norte de Filadelfia con una encantadora vista. El periódico Wall Street Journal llama a esto una “lucha contra el deterioro urbano a través del arte”. Liz Thomas, comisaria del proyecto, lo califica como “una experiencia para que la gente reflexione acerca de este espacio que recorren todos los días”.
El proyecto no está realmente luchando contra el deterioro y la ruina, por supuesto, sólo lucha contra la capacidad de los clientes de Amtrak para verlo.
2013-086_psychylustro_FromTrain_19
“Necesito la brillantez del color para acercar a la gente, para provocar una sensación de experiencia vital y elevar su sensación de presencia,” proclama Grosse.
La “gente”, en la formulación de Grosse y Thomas, no son los que realmente viven en el norte de Filadelfia y llevan el peso de sus cargas. “Gente” son aquellos que pueden permitirse el lujo de ver la pobreza a través de la lente de la estética mientras pasan de largo.
La decadencia urbana se convierte en un material para ser remodelado e idealizado. Así es la economía hipster.
Extracto del artículo de Sarah Kendzior , “El peligro de la economía hipster“, que se puede leer completo aquí: http://www.aljazeera.com/indepth/opinion/2014/05/peril-hipster-economics-2014527105521158885.html

El arte que oculta la miseria y el peligro de la economía hipster

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El 16 de mayo, una artista, una compañia de trenes y una agencia gubernamental se gastaron 291.978 dólares para ocultar la pobreza de la mirada pública.
Psychylustro es un proyecto de la artista alemana Katharina Grosse, una obra a gran escala diseñada para distraer la atención de los pasajeros de los trenes Amtrak y que no sean conscientes de los edificios y fábricas en ruinas del norte de Filadelfia. La ciudad tiene una tasa de pobreza del 28 por ciento (la más alta entre las ciudades importantes de los Estados Unidos) que se concentra principalmente en el norte. En algunas escuelas primarias del norte de Filadelfia, casi todos los niños viven por debajo del umbral de la pobreza.
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Grosse contó con el apoyo de la NEA (National Endowment of the Arts) y Amtrak para enmascarar la miseria del norte de Filadelfia con una encantadora vista. El periódico Wall Street Journal llama a esto una “lucha contra el deterioro urbano a través del arte”. Liz Thomas, comisaria del proyecto, lo califica como “una experiencia para que la gente reflexione acerca de este espacio que recorren todos los días”.
El proyecto no está realmente luchando contra el deterioro y la ruina, por supuesto, sólo lucha contra la capacidad de los clientes de Amtrak para verlo.
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“Necesito la brillantez del color para acercar a la gente, para provocar una sensación de experiencia vital y elevar su sensación de presencia,” proclama Grosse.
La “gente”, en la formulación de Grosse y Thomas, no son los que realmente viven en el norte de Filadelfia y llevan el peso de sus cargas. “Gente” son aquellos que pueden permitirse el lujo de ver la pobreza a través de la lente de la estética mientras pasan de largo.
La decadencia urbana se convierte en un material para ser remodelado e idealizado. Así es la economía hipster.
Extracto del artículo de Sarah Kendzior , “El peligro de la economía hipster“, que se puede leer completo aquí: http://www.aljazeera.com/indepth/opinion/2014/05/peril-hipster-economics-2014527105521158885.html

BLANCA ORAA MOYUA

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