Conceived by Jeremy Deller Iggy Pop Life Class

Brooklyn Museum

Photo: Elena Olivo/Brooklyn Museum. 

Fall 2016

Brooklyn Museum
200 Eastern Parkway
Brooklyn, NY 11238
United States
Hours: Wednesday–Sunday 11am–6pm,
Thursday 11am–10pm 

brooklynmuseum.org
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Twenty-one artists, from all walks of life, gathered at the New York Academy of Art on Sunday, February 21, 2016, for a special life drawing class with a guest model, American rock legend Iggy Pop. The class was organized by the Brooklyn Museum and conceived by artist Jeremy Deller. The drawings created during the class will be part of a Brooklyn Museum exhibition in fall 2016, with a tour to be announced later.

In stark contrast to his kinetic stage persona, Pop methodically posed nude on a different kind of stage. “The life class is a special place in which to scrutinize the human form. As the bedrock of art education and art history, it is still the best way to understand the body,” says Deller. “For me it makes perfect sense for Iggy Pop to be the subject of a life class; his body is central to an understanding of rock music and its place within American culture. His body has witnessed much and should be documented.”

The participating artists represent New York’s diverse community, ranging from 19 to 80 years of age with varying backgrounds, and include undergraduate and graduate students, practicing artists, and retirees. The life drawing class was led by artist and drawing professor Michael Grimaldi. The 21 participants were selected by Deller and Sharon Matt Atkins, Vice Director, Exhibitions and Collections Management, Brooklyn Museum, from recommendations made by instructors at the Brooklyn Museum’s Gallery/Studio Program, the Art Students League of New York, Kingsborough Community College, the New York Academy of Art, and Pratt Institute. The participants include: Jeremy Day, Jeannette Farrow, Margaret Fisher, Seiji Gailey, Robert Hagan, Tobias Hall, Deirdra Hazeley, Patricia Hill, Okim Woo Kim, Maureen McAllister, Kallyiah Merilus, Guno Park, Kinley Pleteau, Angel Ramirez, Robert Reid, Mauricio Rodriguez, Danielle Rubin, Taylor Schultek, Charlotte Segall, Andrew Shears, and Levan Songulashvili.

London-based conceptual artist Jeremy Deller (English, born 1966) is known for orchestrating large-scale collaborative projects. In 2001, Deller worked with former miners and members of reenactment societies to restage a violent confrontation between the police and striking miners that had occurred in 1984 during the yearlong miners’ strike in the United Kingdom. For It Is What It Is, commissioned by The Three M Project and Creative Time in 2009, Deller toured the United States with a car destroyed in a 2007 bomb attack in Baghdad, inviting journalists, Iraqi refugees, soldiers, and scholars to share their experiences. He has developed several music projects including Acid Brass (1997), a brass band performance of acid house music. Winner of the 2004 Turner Prize, Deller represented Great Britain at the 55th Venice Biennale in 2013. His appreciation of academic drawing can be traced to his art history studies at the Courtauld Institute of Art and the University of Sussex.

A pioneer of rock music, Iggy Pop (American, born James Newell Osterberg, Jr., 1947) is a singer-songwriter, musician, and actor. Born and raised in Michigan, Pop began performing in the 1960s. In 1967, he formed The Stooges, a band that significantly influenced the trajectory of rock music in the 1970s and 1980s. Pop became known for dynamic and unpredictable stage performances, a trademark throughout his career. These highly physical events often left his body battered and cut. His music has encompassed a number of styles over the course of his career with well-known albums such as The Idiot (1977), Lust for Life (1977), Blah Blah Blah (1986), Brick by Brick (1990), and Skull Ring (2003). In 2010, The Stooges were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. 2016 will mark the release of Pop’s seventeenth album, Post Pop Depression, a collaboration with Josh Homme of Queens of the Stone Age.

This exhibition is organized by Sharon Matt Atkins, Vice Director, Exhibitions and Collections Management, Brooklyn Museum.

Media contact: Fatima Kafele, Public Information Officer
T (718) 501 6331 / fatima.kafele@brooklynmuseum.org

This incredible sculpture installation was created by artist Phillip K Smith III, in the deserts of Joshua Tree, California

Miquel Barceló regresa a la tierra

Irrumpe en escena desde el fondo del corredor gigantesco, viaja a pasos nerviosos a bordo de un mandil amarillento, avanza y retrocede, se recoloca los auriculares que usa para aislarse del mundo (no escucha música, sino novelas), duda, agarra uno de los andamios portátiles que le sirven de atalaya, lo arrastra, se sube a lo más alto, reanuda Miquel Barceló el ritual arcaico pero tan eternamente nuevo de bucear en la arcilla en busca de ese algo con el que huir de la temible nada, con los dedos, con las manos, con los brazos, con el alma.

Es la constante, indeseable, temible, magnética reanudación de la búsqueda, ese proceso de ansiedades y angustias que a veces, solo a veces, da frutos y permanece (“Yo antes pensaba que en eso del arte, con el tiempo uno aprendía, que sufriría cada vez menos, pero no, siempre es todo igual de escabroso o cada vez más, y eso es precisamente lo que te mantiene alerta”). Barceló bucea en la tierra en busca de figuras como quien bucea en el mar de Mallorca en busca de meros; él, por ejemplo. Cuando el barro primigenio se seca, escoge el cepillo —un cepillo de esos que usaríamos en la obra para las labores más chuscas— y lo convierte en buril para penetrar la tierra. Rasga y cuartea, recorre la arcilla marrón rojiza poco o nada sofisticada con los poco o nada sofisticados pinceles de fortuna que se ha vuelto a inventar: su cuerpo y sus cepillos. Nada de pintura aquí, nada de pinceles y paletas, ni rastro de la iconografía o de la selva de cosas que tradicionalmente pueblan el estudio de un artista.

Estamos en las tripas de la Biblioteca Nacional de Francia, en París, discutible mastodonte de acero, cristal, hormigón y madera incrustado junto al Sena en 1996 por el arquitecto Dominique Perrault. Dentro de tres semanas se cortará aquí la cinta inaugural de un verdadero hito artístico: la creación, por parte de Miquel Barceló, de un fresco de arcilla de casi 200 metros de largo por casi seis de alto sobre las cristaleras que recorren uno de los lados de la Biblioteca y separan sus salas de exposición de su jardín interior.

Esta obra colosal y efímera —será borrada a partir del 28 de agosto— será el icono absoluto de la exposición Miquel Barceló. Sol y sombra. O mejor dicho, de una de las dos partes de esta muestra, de este auténtico desembarco del artista de Felanitx en la temporada de exposiciones de París. La otra tendrá lugar en el Museo Picasso, espacio en el que ningún artista contemporáneo ha expuesto hasta la fecha.

Si en la Biblioteca Nacional de Francia Barceló desplegará sobre todo su obra gráfica frente al descomunal fresco de arcilla que hoy le ocupa y nos ocupa, en el Museo Picasso confrontará su obra a la del genio de la casa. “Picasso… Picasso es un artista que me gustaba cuando tenía 12 años y que me gusta aún mucho más ahora. Picasso está más vivo que nunca. Tengo muchas ganas de jugar a este juego, porque creo que es un juego que Picasso habría aceptado también”, confiesa.

En el Picasso, reinaugurado en octubre de 2014 tras un tortuoso proceso de relevo en la dirección (lo que supuso un considerable retraso en la puesta en marcha de esta exposición) habrá una selección de obras que recorrerán las cuatro décadas de quehacer creativo de Barceló entre pinturas, bronces, yesos, cerámicas, dibujos y aguafuertes, con especial atención al tema taurino, uno de los más queridos de Barceló y —no hace casi falta decirlo— del propio Picasso. En cuanto a la muestra de la BNF, incluirá junto a grabados, bronces, retratos y calcografía, algunas muestras de… xilofagía: “Es una técnica con insectos xilófagos que inventé yo y que consiste básicamente en que los bichos se comen el papel. Ellos también intervienen en la obra de arte”, explica Miquel Barceló acerca de una idea que se le ocurrió en sus primeros viajes a Malí, cuando vio que poco o nada podía hacerse para evitar el furor de las termitas contra sus papeles.

La inauguración de las dos exposiciones se producirá de forma consecutiva el 21 de marzo. No es la primera vez que Miquel Barceló protagoniza en Francia una exposición por partida doble. En 1996, su obra fue mostrada al tiempo en el Museo de Arte Moderno del Centro Pompidou y en el Jeu de Paume, el antiguo museo de los impresionistas. Y en el verano de 2010 protagonizó otra doble propuesta simultánea en Aviñón: Palacio de los Papas y Colección Yvon Lambert.

Pero volvamos a la inmensa lombriz de tierra en la Biblioteca Nacional. Ver trabajar a Barceló es todo un espectáculo en vivo. Dos operarios ataviados con buzo blanco van embadurnando la cristalera de arcilla, siguiendo las indicaciones del artista. Nada más hacerlo, él se acerca y, sobre la tierra fresca, dibuja con sus extremidades, garabatea, puntea, traza. Uno se pregunta qué saldrá de ahí exactamente. Y lo que sale son cabezas de bisontes, indios pieles rojas con sus cabelleras y sus flechas, esqueletos de humanos y de animales, pulpos, tiburones, pájaros… una iconografía atormentada por cuyos trazos se filtra la luz natural que viene del lucernario de la BNF.

El artista pinta sobre el cristal, en directo y sobre la marcha (“No sé lo que voy a hacer en ese momento, mientras pinto no pienso, pienso antes y después, pero durante prefiero usar otras energías. Es como fumar en el sexo, que no se puede fumar durante…”). Uno piensa en Pablo Picasso haciendo lo propio en el imprescindible documental de Henri-Georges Clouzot El misterio de Picasso(1956).

De la nada va saliendo el todo. Hay en esta obra gigante un poco de arte bruto, un poco de action painting y un mucho de energía incansable. Es primitivo, es irresistiblemente moderno. Como el románico, como las máscaras africanas de la cultura dogón, como Picasso. Como el pintor que hace 30.000 años plasmó sus obras maestras en la gruta de Chauvet, como Lascaux, como Altamira.

Este fresco no es otra cosa que eso: el homenaje de Miquel Barceló a los pintores rupestres que, con los dedos, con las manos, con nada, parieron maravillas en forma de bisontes. “Cada vez me interesa más y más intensamente el arte de Chauvet, uno de los grandes choques culturales y estéticos de mi vida junto con mi experiencia en Malí. He visto muchas cuevas con pinturas, las he visto casi todas, pero la de Chauvet es algo alucinante, sobrecogedor. Viéndola reconsideras todo”. Barceló es miembro del equipo de preservación científica de Chauvet y visita la gruta con frecuencia (dicen las malas lenguas que, en su caso, la posibilidad de poder hacer lo segundo motivó lo primero).

Pocas horas antes, en su estudio del barrio del Marais, donde se instaló hace cosa de 23 años y sobre el cual vive con su familia, Barceló había enseñado al visitante sus retratos con lejía, sus nuevos cuadros de tonos verdes con relieve, sus maquetas de escultura en forma de cerilla —tan giacometti—, sus botes de pintura, sus nuevos pulpos de mineral de mica incrustado en el lienzo, sus batas manchadas, sus mandarinas traídas de Mallorca… Barceló en reinvención constante escapando de la certidumbre. Y la confesión: “Siempre buscas algo que no encuentras. Por eso yo hago las cosas tan rápido, porque sé que tendré que hacerlas tantas veces que es mejor hacerlas muy rápido… destruyo mucha obra, a veces la quemo, pero eso va con el oficio, son como los cortes que se hace el carpintero, como los anzuelos que se clavan los pescadores”.

Étant donnés: Marcel Duchamp

ARCO, las verdades y los mitos sobre el arte actual

Carlos Urroz, director de ARCO 

 EP 

Que haya ventas en ARCO no significa que el mercado español de arte actual vaya viento en popa. Que una feria sea el mejor entorno para comprobar las tendencias del arte actual en nuestro país es muy discutible. Y que en España hay buenos coleccionistas, no exageremos. Desmontemos algunos mitos del mercado español del arte actual. 

En El mito de Sísifo, Albert Camus reflexionaba sobre la inutilidad de la vida humana tomando como referencia la condena que sufrió el personaje de la mitología griega que da nombre al libro, castigado a empujar, montaña arriba, un peñasco gigante que, al alcanzar la cima, caía, obligando al reo a subirlo de nuevo en un bucle sin fin. Más o menos lo mismo nos contaba El día de la marmota. Y año tras año, esta sensación de déjà vu nos invade de nuevo cuando llegan las fechas de ARCO, la feria internacional de arte contemporáneo de Madrid. Porque, a propósito de ella, nos cae el pedrusco sobre la salud del arte actual, un debate en el que suelen repetirse siempre los mismos argumentos, las mismas cuestiones, incluida, claro, esa de cuánto de arte tienen las obras expuestas y cuánto de mero artificio -el tema suele sacarse cuando alguna pieza se vende por cantidades que se consideran demasiado estratosféricas-.  

ARCO cumple este 2016 nada menos que 35 años. Nació como un apéndice más de la movida madrileña, y se dispone a conmemorar estas tres décadas y media con una edición especial, entre el 24 y el 28 de febrero, cuyas mayores bazas las constituyen la exhibición de las obras, además de por IFEMA, por el Museo Nacional del Romanticismo, el Arqueológico Nacional o el Espacio Tabacalera, además de una mayor apuesta por los talentos emergentes o la apertura de una sede en Lisboa. Con ayuda de artistas y algún crítico, vamos a repasar los lugares comunes que hemos apuntalado, edición tras edición de ARCO, en estos debates en torno al mercado del arte actual, y a someterlos a un test de veracidad.

¿Mercado en ascenso?

Vamos a contar mentiras. Algunas, más claras que el agua de aquel vaso de una instalación de Wilfredo Prieto que se vendió por 20.000 euros, con lo que tantas vestiduras se rasgaron. Pero también verdades. La artista conceptual Patricia Dauder comienza por advertirnos contra lo que para ella es una falsedad que estamos asumiendo, y expresa en estos términos: “El entusiasmo en público y ventas durante ARCO es un síntoma de la buena salud del mercado del arte en España”. No lo es. Al menos, no en estos años de crisis. Los organizadores de ARCO, sin aportar cifras de venta concretas, han asegurado en sus entregas más recientes que observan un sustancioso aumento de ellas. En cambio, en España, la aceleración del mercado del arte en general, respecto a los años previos a la crisis, está resultando mucho más lenta que en el ámbito internacional, donde marcha ya al galope. En España, el subidón de ARCO es solo un oasis. De la publicación El mercado español del arte en 2014, editada por la Fundación Arte y Mecenazgo, se deduce que movió 336 millones de euros, solo nueve millones más que en 2012, y lejos de la tendencia de crecimiento de más de 1.000 millones en los principales países del mercado global, donde España representa solo el 1%.

 

 

 

 

Con todo, nuestro país tuvo en 2013 un superávit comercial en materia de arte de 63 millones de euros, gracias al aumento de la exportación de obras de arte. Se ha invertido la tendencia de los últimos años, cuando las importaciones eran mucho mayores que las exportaciones. Pero, para robustecer nuestra posición, la Fundación Arte y Mecenazgo apuesta en el mencionado documento por, entre otras vías, ferias tipo ARCO, que “siguen siendo fundamentales para el negocio de las galerías”, y “demostraron ser un instrumento decisivo de internacionalización”, asegura. Lo malo, para Patricia Dauder, es que, en contra de lo que se podría pensar, “una feria no es el mejor contexto para ver y conocer el trabajo de artistas”. 

Cultura de coleccionismo

Por otro lado, uno de los lamentos que suelen expresarse a propósito del mercado del arte contemporáneo español es la falta de cultura de coleccionismo en nuestro país. Cunde la idea de que no abundan grandes coleccionistas, y de que buena parte de quienes lo son, sucumben a la tentación del arte no porque lo amen, sino por simple postureo. Con todo, Daniel Canogar, fotógrafo y creador audiovisual, uno de los artistas españoles con más proyección internacional y que participa en este ARCO 2016, mantiene para bez.esque no es cierto que “en España no haya coleccionistas serios”. Lucía Sanromán e Irene Hoffmann, Chris Sharp y Juan Canela, Javier Hontoria, María y Elena del Corral o Juana de Aizpuru, son algunos grandes coleccionistas/comisarios que operan en nuestro territorio, y podremos ver sus apuestas en ARCO 2016.

 

 

 

 

Son muchas las voces que afirman que ayudaría a subvertir esta situación que se estableciese una ley o sistema de mecenazgo, más allá de las rebajas fiscales que aprobó hace unos meses el hoy Gobierno en funciones. Así, la Fundación Arte y Mecenazgo calcula en su mencionado informe que en 2013 la contribución fiscal del comercio del arte alcanzó los 270 millones de euros, y explica que “tanto los galeristas como las casas de subastas comentaron que, para el comercio español de arte, era fundamental intentar impulsar la actividad de coleccionismo en el ámbito nacional, y también que la falta de interés por el arte en gran parte de la sociedad española era palpable. Aunque algunos admitieron que sus coleccionistas privados más serios habían reanudado sus compras en cierto grado, muchos afirmaron que no existía esa reactivación entre los compradores públicos e institucionales”.

Lo que Canogar sí da por válido es nuestra creencia de que “el arte es mucho más grande que el mercado el arte”. Un convencimiento que se alinea con lo expresado Miguel Ángel García Vega, periodista especializado en arte contemporáneo, en el documento de la Fundación Arte y Mecenazgo en relación con el empleo de los artistas actuales. “Bruselas, a través de su oficina de elaboración de estadísticas Eurostat, cuenta que en España hay 25.950 creadores. Da igual que el dato se más o menos preciso. Las preguntas, sin respuestas, son otras. ¿Cuántos logran vivir de su trabajo? ¿Y cuántos lo hacen con dignidad? La precariedad se desparrama como un bálsamo extendido por un dios negligente. Y la falta de una Ley de Mecenazgo y un ‘IVA Cultural’ se deja sentir”, afirma.

El arte transgresor

También sobre el mismo concepto de arte actual hay controversia. ¿Aporta cosas nuevas?¿No hay nada nuevo bajo el sol? ¿Hay demasiado teatro? La artista Pilar Albarracín, una de las artistas más controvertidas e irónicas del panorama nacional, ve una certeza y un progreso en ellas: “Es verdad que hay un tipo de arte que funciona como un pequeño terremoto intelectual, existencial y social que hace que nos cuestionemos las verdades establecidas por las tradiciones y nos ayuda a desacralizar nociones que se han presentado históricamente como verdades indiscutibles”, mantiene esta creadora que en su obra suele trenzar el folclore y el discurso de género, y por cierto desmiente que “en el mundo del arte hoy las mujeres tengan las mismas oportunidades que los hombres”.

 

 

 

 

El filósofo y crítico Fernando Castro Flórez, autor de libros como Mierda y catástrofe. Síndromes culturales sobre el arte contemporáneo, llama nuestra atención sobre el efecto que tienen las críticas de arte en las ventas. "Una galerista de cuyo nombre (ahora) no quiero acordarme me dijo que gracias a un crítica mía ultra-negativa se vendieron todas las piezas. No me lo creo porque eran tan malas que ni con una mentalidad perversa-polimorfa se podría asumir el destino de convivir con tales abominaciones. Supongo que la señora, en su furia contra mi incontinencia, quería decirme, a la manera ‘canónica’, que estaba persuadida de aquello del ‘mejor que hablen de mí, aunque sea mal", recuerda.

Y ya que hablamos de esto, ¿tan exagerados son los precios del arte en España? Pues, al menos, se mantienen muy por debajo de la media europea. De acuerdo con la Fundación Arte y Mecenazgo, el 63% de lo vendido en 2014 en subastas en España, y el 68% en galerías de nuestro país, fue por menos de 3.000 euros. ¿Y son las nuevas generaciones de artistas las que más venden? Ni de lejos. Los grandes maestros siguen captando gran parte de la atención. “El mercado español se mueve al son de sus propios himnos. Pocos artistas vivos españoles alcanzan precios reseñables o, sencillamente, tienen segundo mercado. Es decir, reventa en subasta. Manolo Valdés, Miquel Barceló, Juan Muñoz junto a Jaume Plensa forman parte de este grupo de los elegidos del dinero. En una segunda derivada, en cuanto remates, estarían Juan Uslé o Cristina Iglesias. Pero poco más. Una situación que se ha agudizado tras el fallecimiento en 2012 de Antoni Tàpies”, cuenta García Vega.

Sobre las intenciones de los artistas que hoy copan el mercado, Castro Flórez nos aporta otra verdad: "Es cierto que un galerista (bastante indocumentado, lo cual puede ser un pleonasmo) fue hasta el Museo de Filadelfia y mantuvo una distancia ‘prudencial’ frente a Etant Donnes de Duchamp. Dicen que dijo (esto no está confirmado) que era ‘una obra de categoría’. En vez de ponerse en plan voyeur transformó la puerta inquietante en una pieza ‘informalista’ al estilo Lucio Muñoz. Parece ser que los malvados artistas que permitieron ese ejercicio de ‘torrijez’ le contaron luego ‘lo que se había perdido’. El interfecto se quedó más ancho que pancho". 

Abel Azcona dice al juez que usó hostias consagradas en una exposición por "crítica social"

El artista Abel Azcona ha manifestado esta mañana al juez de Pamplona Fermín Otamendi que no tuvo intención de ofender los sentimientos religiosos al utilizar formas consagradas para su exposición 'Amén', exhibida a finales del pasado año con el patrocinio del Ayuntamiento. Azcona, que no quiso contestar las preguntas de los querellantes, la Asociación Española de Abogados Cristianos, ha sostenido que lo que quería era hacer "una crítica a la lacra de la pederastia" en el uso de su libertad de expresión.

Azcona ha comparecido durante poco más de media hora como investigado (actual denominación de los imputados) en el Juzgado de Instrucción número 2 de Pamplona, que ha admitido a trámite la querella promovida por la Asociación Española de Abogados Cristianos por un delito de ofensa a los sentimiento religiosos, el mismo por el que la portavoz de Ahora Madrid en el Ayuntamiento de la capital, Rita Maestre, fue juzgada el pasado día 18, en su caso por haberse desnudado en el altar de una capilla católica.

La querella atribuye a Azcona un delito de profanación, que el Código Penal castiga con multa o con prisión de seis meses a un año, por haber "sustraído" 242 hostias mientras asistía a eucaristías en Madrid y Pamplona y por haber utilizado esas formas consagradas para realizar fotografías en las que las hostias, tiradas en el suelo, forman la palabra "pederastia".

En las fotos, expuestas en 'Amén', el propio Azcona aparece de espaldas, sentado y desnudo.

"LO MÁS SAGRADO PARA LOS CRISTIANOS"

Para los querellantes, Abel Azcona hizo "escarnio" de la religión católica, "vilipendiando lo más sagrado para los cristianos", ya que las formas consagradas son consideradas el cuerpo de Cristo.

Para la Asociación Española de Abogados Católicos, esa "ofensa" no puede ampararse en el derecho fundamental a la libertad de expresión o a la libre creación artística porque Azcona habría vulnerado otro derecho igualmente fundamental, el que exige respeto a la libertad religiosa.

Fotos de Azcona utilizando las formas consagradas Facebook

La comparecencia fue breve porque Azcona sólo contestó al juez y el fiscal no compareció. El investigado confirmó que se adueñó subrepticiamente de las hostias y dijo que, de hecho, tiene más guardadas.

El letrado querellante, José Núñez, pidió al juez como medida cautelar que reclamara a Azcona esas formas consagradas para que el Arzobispado las custodie. El instructor acordó dar un plazo de cinco días para que las partes se pronuncien sobre si el proceso debe ser archivado o continuar y, en este caso, qué diligencias habría que practicar y qué medidas procede adoptar.

Azcona negó haber querido hacer una "ofensa gratuita y directa" a la religión católica y manifestó que todas sus obras tienen "un contenido crítico y subversivo" para buscar una "reacción".

UNA FASE DEL "PROCESO PERFORMATIVO"

Tras comparecer ante el juez, Abel Azcona declaró a los periodistas que va a pedir el archivo de las diligencias porque "no tiene mucho más recorrido".

"Ahora estamos en un momento en el que la Asociación de Abogados Cristianos está poniendo querellas cada semana a cada cosa. Está haciendo que los artistas tengamos que estar en los cines, los museos, los teatros y los juzgados", dijo, según informa Europa Press.

Sin embargo, ha remarcado que esto no condiciona "en absoluto" su libertad creativa y ha asegurado que seguirá haciendo piezas "críticas y subversivas absolutamente igual". "Estoy en mi derecho. Defenderé siempre la libertad de expresión y seguiré haciendo exactamente mi trabajo como lo sigo haciendo hasta ahora", ha manifestado Azcona, para quien el límite de la libertad de expresión está "cuando entra la integridad física".

Azcona ha dicho que para él su declaración ante el juez es "parte de la pieza [artística] totalmente", dado que, según ha dicho, entiende "todo" como "un proceso performativo". "Ahora he hecho otra parte de un proceso performativo, siempre desde la educación y el respeto, porque yo respeto al juez y el proceso. Si hago una pieza en la que critico el fundamentalismo religioso, qué evidencia más ese fundamentalismo que haya 2.000 personas en la puerta rezando rosarios y que acabe yo sentado en un tribunal", ha apuntado.

Preguntado si entiende que haya gente que se haya ofendido con la utilización de hostias consagradas, ha respondido que el arte contemporáneo "siempre es crítico, social y político".

Una decena de personas ha acompañado a Azcona en su visita al Palacio de Justicia. Portaban carteles en los que se leía 'Adierazpen askatasuna, libertad de expresión'. Junto a ellos se ha concentrado la concejal de Cultura de Pamplona, Maider Beloki, que dijo que estaba allí "para apoyar la libertad de expresión de todos los creadores".

Por su parte, la Asociación Española de Abogados Cristianos ha subrayado que entregó en el Ayuntamiento de Pamplona 110.000 firmas en protesta por las fotografías de Azcona con formas sagradas.

Un día en la vida del artista Abel Azcona | Proyecto HOY

Arco se pega un homenaje en su 35 aniversario

ARCOmadrid celebra este año su 35 aniversario y para celebrarlo contará no solo con los programas habituales, que aglutinarán un total de 221 galerías de 27 países, sino que acogerá una selección de nombres internacionales relevantes en el mercado del arte que, asimismo, han contribuido al crecimiento de la feria de arte contemporáneo más importante de España.

Un año más, destaca el carácter internacional: el 71 por ciento de las galerías son extranjeras y, de ellas, el 26 por ciento son latinoamericanas, lo que la organización considera que sitúa a ARCO como “punto de encuentro e intercambio entre Europa y Latinoamérica”.

De las 221 galerías que participan, 167 pertenecen al Programa General y, entre las novedades, destaca la presencia de las galerías parisinas 1900-2000 y Denise René. Asimismo, un total de 18 galerías forman parte de Solo Projects y 18 a Opening.

La sección Solo Projects girará en torno a dos ejes: ‘El arte en la intersección con el tiempo’ y ‘La subversión por el camino del humor’. Por su parte, Opening volverá a representar el espacio para las galerías con menos de siete años de antigüedad. Este año, participan entre otras Daniel Marzona o Michael Jon.

33 galerías claves

Este año, ARCOmadrid ha sustituido el tradicional país invitado por el programa conmemorativo ‘Imaginando otros futuros’, que incluye un total de 33 galerías, algunas de las cuales que han participado durante estos años en la feria y que representan distintas etapas de su desarrollo.

La única representante española en esta selección es Juana de Aizpuru --fundadora de ARCO en 1982--, algo que el director de ARCO, Carlos Urroz, justifica por tratarse de la galería que representa al resto de centros españoles que han estado con la feria desde el principio, que se han “sacrificado” y han aceptado esta decisión por “el bien común”.

Entre las galerías de 14 países de esta sección se encuentran Fortes Vilaça (Sao Paulo), OMR (México D.F.), Marian Goodman (Londres), Martin Janda (Viena), Jan Mot (Bruselas), Xeno X (Amberes), Lelong (París), Krizinger (Viena), Luciano Brito Galeria (Sao Paulo) o Nordenhake (Berlín).

Más de 250 coleccionistas invitados

ARCOmadrid, que cuenta con un presupuesto de 4,5 millones de euros, destina un 20 por ciento de sus fondos a los programas de promoción internacional, de manera que este año la feria ha invitado a 250 coleccionistas de 33 países y 150 directores de instituciones, así como comisarios de bienales.

En los compromisos de compra se encuentran instituciones como el Museo Reina Sofía, la Colección Helga de Alvear, la Fundación María Cristina Masaveu, la FUndación Sorigué, la FUndación Ankaria, la FUndación Bergé, la Fundación RAC o Banco Sabadell.

De forma paralela a la celebración de la feria, ARCOmadrid ,en colaboración con el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, se introducirá en varios espacios de la ciudad de Madrid, donde presentará intervenciones de artistas.

El Museo Arqueológico, el Museo Nacional de Antropología, el Museo Naval, el Museo Casa de la Moneda, el Museo Cerralbo, el Museo del Romanticismo, Casa Árabe y la Embajada de Colombia son algunos de los espacios en los que se presentarán obras de arte contemporáneo.

Tras la celebración de ARCOmadrid se celebrará entre el 26 y el 29 de mayo ARCOlisboa, una sucursal en la capital portuguesa que contará con la participación de 40 galerías internacionales y con la que se da el primer paso más allá de las fronteras españolas.

La performance, en todo su esplendor

La performance, actividad artística que tiene como principio básico la improvisación y el contacto directo con el espectador, es uno de los formatos estrella de la próxima edición de ARCOmadrid, en la que el artista germano-británico Tino Sehgal será el gran protagonista.

Este formato, que dio nombre a ciertas manifestaciones artísticas realizadas en vivo a partir de los años 60, es una de las apuestas de esta edición, con gran presencia en el apartado Solo Projects así como en uno de los grandes nombres del galerismo internacional en la sección ‘Imaginando otros futuros’: Marian Goodman, responsable de acercar a Sehgal a España en esta ocasión.

Según ha avanzado el director de ARCO, Carlos Urroz, durante una entrevista concedida a Europa Press, uno de los artistas que más llamará la atención esta edición será precisamente Sehgal, conocido por sus “situaciones construidas”, en las que trata de involucrar al espectador. “Si eso pasa en los términos en los que estamos hablando, dará que hablar desde el minuto uno”, ha advertido.

Habitualmente, este artista, seleccionado en 2013 entre los finalistas para el Premio Turner, el reconocimiento a nivel internacional más relevante de las artes, no permite grabar o fotografiar sus performances, por lo que es difícil acceder a toda su obra, aunque en la red se pueden ver algunos trabajos, como la acción en la que una vigilante de una de las salas de exposición del Hamburger Bahnhof-Museum für Gegenwart de Berlín canta a plena voz: “This is propaganda, you know, you know” (”Esto es propaganda. Ya lo sabes, ya lo sabes”).

Flecha 2016

Ai Weiwei on his Fantastical Creatures at Le Bon Marché

Arte, apellidos y millones: ARCO en tiempos de crisis

Llega ARCO con su peculiar mezcla de galeristas, consultores y coleccionistas entre los que hay apellidos ilustres y descendientes de familias aristocráticas europeas. Repasamos con ellos cuáles son las ferias más interesantes y en qué punto se encuentra un mercado que, a pesar de la crisis, mueve cerca de 51.000 millones de euros al año.

Las hermanas Diana y Alejandra Álvares Pereira de Melo podrían representar la versión contemporánea (y artística) de las aventuras de Phileas Fogg. Diana, duquesa de Cadaval, vive en Évora (Portugal) junto a su marido, Charles Philippe de Orléans, duque de Anjou, y su hija Isabelle. “Gestiono el palacio Cadaval, una construcción del siglo XIV que construyó mi familia y que permanece abierta al público todo el año”, nos explica.

Además de la colección permanente, que incluye obras del siglo XVIII, organiza un festival de música y dos exposiciones de arte contemporáneo al año. “Una está especializada en arte africano, porque mi hermana es experta en la materia”, continúa. Alejandra vive a caballo entre Mozambique y la India. “Pasa seis meses en África realizando labores humanitarias con la Orden de Malta, y el resto en India, donde organiza eventos culturales para el maharajá de Kapurtala”. Lo dicho: aventureras del arte que dan la vuelta al mundo.

ROSARIO NADAL / ASESORA DE ARTE CONTEMPORÁNEO; DIRECTORA ADJUNTA DEL MUSEO JUMEX DEMÉXICO DF

Trayectoria: Fundó su consultoría de arte, RSC Contemporary, en 2001.
Internacional: Vive entre Londres y México, donde trabaja con Eugenio López, uno de los grandes coleccionistas de Latinoamérica y dueño del museo Jumex.
Lei Motiv: Enemiga del esnobismo, entre sus favoritos están Richard Prince, Sigmar Polke o Urs Fischer.

PILAR GONZÁLEZ DE GREGORIO / PRESIDENTA DE CHRISTIE’S; HIJA DE LA DUQUESA ROJA Y MIEMBRO DE LA CASA MEDINA SIDONIA

Obra fetiche: “Recuerdo ir al Prado desde pequeña y quedarme fascinada con Las Meninas”.
Tesoro: “En 2011 Christie’s subastó la perla Peregrina que perteneció a Elizabeth Taylor. Se duplicó la estimación y se vendió por nueve millones de euros”.
Feria favorita: “Mi favorita es la Bienal de Venecia, una de las más importantes de arte contemporáneo. Marca las tendencias del mercado”.

BRUNO ARIEL / DUEÑO DE LA GALERÍA PRÍNCIPE & VIDAUD: ARTE DEL SIGLO XVIII Y BIBLIOFILIA

Tesoro “Compré el primer libro de la primera edición de Impresiones y paisajes, de Federico García Lorca. Estaba dedicado a un flamencólogo”.
Feria favorita “Mi preferida es la Bienal de París. El año pasado la decoró Karl Lagerfeld con un globo aerostático del XIX”.
¿Y la crisis? “Antes se vendía un cuadro de 50.000 euros a la semana. Ahora ese ritmo de venta es impensable”.

ELENA OCHOA FOSTER / EDITORA, GALERISTA, MECENAS Y COMISARIA DE ARTE

Unión Su pasión por el arte y los libros se fusionó en Ivorypress, una editorial especializada en libros de artistas tan cuidados que se han expuesto en el Museo V&A de Londres. 
¿Y la crisis? No es global. “En Hong Kong la gente gasta a tope”, ha dicho.
¿Qué hay de España? Según lady Foster, aquí hay buenos artistas, pero falta apoyo gubernamental.

FLAVIA HOHENLOHE / PRESIDENTA DE SOTHEBY’S; MIEMBRO DE LA FUNDACIÓN CASADUCAL DE MEDINACELI

Tesoro “La subasta más emocionante la viví en 2007. Vendimos Santa Rufina de Velázquez a la Fundación Focus-Abengoa. Cuando se cerró la venta la directora gritó: ‘¡Pa’ Sevilla!”. 
Feria favorita “Me quedo con la de Maastricht. Hay pintura, escultura, joyas…Es una mezcla increíble”.
Ventas: “El mejor lugar para vender arte es Londres. Allí acuden todos los coleccionistas”.

ADAM KAROL CZARTORYSKI / PRESIDENTE DEL MUSEO CZARTORYSKI EN CRACOVIA, QUE PERTENECE A SU FAMILIA

Un museo: La princesa Izabela Czartoryska lo fundó en 1796 con el fin de preservar el patrimonio polaco.
Tesoro En sus paredes cuelga una de las joyas de la familia: el cuadro de Leonardo Da Vinci, La dama del armiño. 
¿Y la familia? Adam Karol es primo del rey JuanCarlos. Nació en Sevilla en 1940, donde se instaló su madre, la infanta Dolores de Borbón, huyendo de la II GuerraMundial.

...Y UNA BARONESA EN ARCO

La baronesa Wanda von Breisky estará en la feria de arte para promocionar la obra del pintor Juan Antonio Guirado.

A los 17 años cambió los cálidos inviernos en Cascais (Portugal), donde vivía con su familia, –su padre el barón Stefan von Breisky, ya fallecido y su madre, la francesa Christine von Breisky–. por el lluvioso y bullicioso Londres. “Mis padres me enviaron a estudiar allí a un internado”, recuerda hoy la comisaria de arte Wanda von Breisky (Lisboa, 1976). Tras pasar por la prestigiosa escuela Saint Martins de Londres y realizar un posgrado de Art Business en Christie’s y Sotheby’s Institute of Art, dos de las casas de subastas más importantes del mundo, creó la agencia Arts Beyond, dedicada a la promoción de artistas emergentes.

“Trabajé, entre otros, con el fotógrafo Ben Westwood, hijo de la transgresora diseñadora británica Vivienne Westwood”. Hoy Wanda está volcada en el legado de Juan Antonio Guirado (1932-2010) a través de Guirado Estate. “Cuando falleció su padre, su hija Catalina heredó sus cuadros y decidió reivindicar su figura”, nos explica la aristócrata. La obra de Guirado es intrarrealismo, y en los setenta su trabajo colgaba en los principales museos internacionales así como en la colección permanente del Museo Reina Sofía.