sábado, 22 de abril de 2017

Fallece Magdalena Abakanowicz, la escultora polaca




La escultora polaca Magdalena Abakanowicz, cuya obra está presente en más de 70 museos del mundo entero, falleció a la edad de 86 años, informó el ministerio de Cultura polaco.
"Murió en la noche del jueves (20 de abril) al viernes" precisó la oficina de prensa del ministerio a la AFP sin más precisiones.
Nacida el 20 de junio de 1930 en Falenty, en las afueras de Varsovia, se diplomó en Bellas Artes en la capital polaca.
Su reconocimiento mundial llegó en los años 1960 con las "abakanes", unas enormes obras en tres dimensiones a caballo entre la escultura y la tapicería, que incluso le valieron una medalla de oro de la Bienal de Sao Paulo.
"Mis obras tridimensionales tejidas traducen mi oposición a la sistematización de la vida y del arte. Crecen a un ritmo libre, como las creaciones de la naturaleza, y como ellas, son orgánicas" explicó en esos años la artista.
En los años 1980, la artista volvió a los materiales clásicos como la piedra, el bronce o la madera, que utilizó para grandes instalaciones al aire libre.
Las obras Magdalena Abakanowicz se pueden apreciar en museos de Varsovia, en el Centro Pompidou de París, en el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o en el Museo de Arte Moderno de Kioto.


viernes, 21 de abril de 2017

U L R I K E R O S E N B A C H A R T M E E T S F E M I N I S M No. 1


 

OPENING | TODAY - Friday, April 21, 2017, 6-8 pm
Introduction by Prof. Klaus Honnef at 7 pm

| PRISKA PASQUER
Albertusstr. 18, 50667 Cologne

DE
 
Ulrike Rosenbach ist eine kompromisslose Künstlerin: politisch, feministisch, innovativ. Priska Pasquer widmet der documenta-Teilnehmerin der Jahre 1977 und 1987 eine breit angelegte Überblicksausstellung mit Videos, Medieninstallationen, Fotografien, Zeichnungen, Collagen und Arbeiten auf Papier von 1969 bis heute. In über 45 Jahren hat die Pionierin der Aktions-, Performance- und Video-Kunst ein OEuvre geschaffen, dessen radikale Modernität gerade heute neu diskutiert wird. Zukunftsweisend ist auch ihre künstlerische Arbeit in Netzwerken. Bereits 1969 hatte Rosenbach als Studentin von Joseph Beuys an der Düsseldorfer Kunstakademie eine Künstlerinnengruppe gegründet, die Kontakte zur amerikanischen Women’s-Liberation-Szene hatte. 1970 wurde sie von Lucy Lippard zur ersten großen amerikanischen Kunstausstellung „1000 miles from here“, an der ausschließlich Künstlerinnen beteiligt waren, eingeladen.
 
 
EN

Ulrike Rosenbach, who was featured in documenta in 1977 and 1987, is an uncompromising artist: political, feminist and innovative. Priska Pasquer is devoting a large-scale overview exhibition of her work with videos, media installations, photographs, drawings, collages and works on paper dating from 1969 to the present day.
In over 45 years, the action, performance and video art pioneer created a body of work whose radical modernity is of particular relevance today. She is also trailblazing in her artistic work in networks. Back in 1969, Rosenbach – studying under Joseph Beuys at the Düsseldorf Art Academy – founded a group of female artists with ties to the American Women’s Liberation scene. In 1970, she was invited by Lucy Lippard to “1000 miles from here”, the first major American art exhibition to feature only female artists.

jueves, 20 de abril de 2017

Mattin, el músico ruidista que convierte al espectador en "instrumento"



El Conservatorio Nacional de Atenas acoge durante esta documenta 14 en la capital griega la "performance" "Social Dissonance" del músico ruidista español Mattin, que transforma a los espectadores en "instrumentos" para componer un manifiesto contra el capitalismo.
Realizada en una amplia sala diáfana y vacía del edificio, la "performance" implica a cuatro "intérpretes" -Dafni Krazoudi, Danai Liodaki, Yannis Sarris y Eleni Zervú-, que se mezclan e interactúan con los espectadores, mientras estos caminan libremente por el espacio.
A la entrada de la sala, en un atril, hay copias de un breve texto que está a caballo entre la reflexión y el manifiesto, lo que Mattin califica de "partitura", y que da instrucciones sobre el objetivo de esta obra.
La idea de esta "disonancia social" llegó a través de "la disonancia cognitiva", explica a Efe el propio Mattin.
"La disonancia social", prosigue el artista, se produciría entre "la idea que tenemos de nosotros mismos, en la cual hay un individualismo narcisista que el capitalismo promueve" y un impulso contrario que sería "la capacidad que tenemos de socializar".
Las tecnologías, según el músico español, jugarían un importante papel porque "por un lado refuerzan esta capacidad (de socializar), aunque también el narcisismo".
"Social Dissonance" explora también "la misma idea de libertad", según el artista en entredicho, pues estaría "determinada por unos intereses económicos y políticos".
Como ejemplo Mattin dice que "unos pueden llamar la elección de (el presidente de EEUU, Donald) Trump un ejercicio de democracia", mientras otros pueden considerarlo "una manipulación" de los votantes por parte de unos pocos.
Mattin, cuya trayectoria está marcada por el ruidismo y la improvisación reconoce que "en la improvisación libre se piensa que puedes ejercer esa libertad de cualquier manera, pero te das cuenta de que esta es extremadamente limitada, y que lo interesante es explorar cómo está condicionada nuestra idea de libertad y cómo estamos condicionados nosotros mismos".
La manera de llevar a cabo esta "performance", según el artista, nace del juego de palabras "instrumento-instrumentalización", entendida esta última como manipulación de la persona por parte de elementos externos.
"Escucha atentamente. La audiencia es tu instrumento, tócala para entender prácticamente cómo somos generalmente instrumentalizados", reza la partitura de "Social Dissonance".
"Yo vengo de la escena del ruido, pero en un momento dado el ruido, como elemento sonoro, se convirtió en un género musical, y entonces empecé a explorar la idea de utilizar al público como instrumento", cuenta Mattin.
No en vano la partitura está inspirada en la pieza "4'33''" del músico John Cage, en el que el público "es el material que genera el sonido".
"Aquí, no obstante", matiza el artista, "son las relaciones sociales las que cobran importancia" y no tanto el sonido.
La incomodidad del público, la lucha contra las ideas preconcebidas y la deconstrucción del individuo son conceptos son los que trabaja "Social Dissonance".
"Si estás cómodo no tienes que reconsiderar tu posición. Esto no es un concierto participativo en el que la gente se va contenta a casa", dice el músico.
Los intérpretes tratan para ello de generar situaciones y conversaciones con el público a través de "técnicas" y "artificios" trabajados con Mattin en los ensayos, pero el resultado de cada "performance" será distinta, dependiendo "de la energía de la gente", pues el público está en igualdad: también pueden interpretar la partitura.
Mattin insiste en que no quiere que se reproduzca el modelo de "sujeto neoliberal que hace su actividad atomizada y se va a casa y nada cambia, aquí se trata de reconsiderar" las posturas y los pensamientos.
Para ello quiere crear "ambientes densos en los que no haya consenso de lo está pasando y se fuerce a la gente a pensar en lo que está pasando en la situación concreta", aunque también en "qué es nuestra concepción de libertad y cómo nos concebimos a nosotros mismos".

miércoles, 19 de abril de 2017

Exposición. Franz Erhard Walther. Un lugar para el cuerpo






Vista de sala de la exposición. Franz Erhard Walther, Un lugar para el cuerpo, 2017. © Franz Erhard Walther, VEGAP, Madrid, 2017
Vista de sala de la exposición. Franz Erhard Walther, Un lugar para el cuerpo, 2017. © Franz Erhard Walther, VEGAP, Madrid, 2017 
La obra de Franz Erhard Walther (Fulda, Alemania, 1939), desarrollada desde finales de la década de 1950 hasta la actualidad, anticipa muchas de las cuestiones que caracterizan la historia del arte respecto a la condición del objeto artístico (la escultura, sus materiales, técnicas y modos de uso) y la naturaleza del espectador en cuanto receptor y partícipe.
Un lugar para el cuerpo es la primera gran exposición antológica de Franz Erhard Walther en España, en la que se presenta un amplio conjunto de esculturas, dibujos, pinturas, documentación fotográfica y material de archivo de toda su trayectoria.
Durante el periodo expositivo se activan copias de exposición (2014) de varios de los elementos que componen 1. Werksatz [Primera serie de obras, 1963–1969], una obra emblemática que requiere de la participación del público y en la que el artista introduce muchas de las ideas esenciales de su trayectoria.
Se llevarán a cabo una serie de activaciones de varios de los elementos que componen la obra 1.Werksatz por parte de mediadores formados por el propio artista (horarios aquí).






domingo, 16 de abril de 2017

Paul B. Preciado










"Cuando se trata de una exposición internacional como Documenta, todo el mundo pregunta por la lista de artistas y sus nacionalidades, el número proporcional de griegos y de alemanes, de hombres y de mujeres. Pero ¿quién tiene hoy derecho a un nombre? ¿Quién puede afirmar que es ciudadano de una nación? Son los estatutos del documento y sus procesos de legitimación los que están en cuestión. Mientras el sol envejece y el mapa geopolítico se quiebra, entramos en un tiempo en el que el nombre y la ciudadanía han dejado de ser condiciones banales para volverse privilegios, en el que sexo y género han dejado de ser designaciones obvias para transformarse en estigmas o en manifiestos. Algunos de los artistas y curadores de esta exposición perdieron un día un nombre o adquirieron otro para modificar sus condiciones de supervivencia. Otros han cambiado varias veces su estatuto de ciudadanía o siguen a la espera de que una petición de asilo les sea acordada. ¿Cómo los nombraremos entonces? ¿Los contaremos como sirios, como afganos, como ugandeses, como canadienses, como alemanes o como simples números en una lista de ­espera? ¿Cuentan cómo griegos o como alemanes los cientos de artistas helenos emigrados buscando ­mejores condiciones de vida en ­Berlín? ¿Cuentan los saamis como finlandeses o noruegos; los gitanos como franceses, rumanos o españoles; los catalanes o vascos como españoles? ¿Cuentan los exiliados de la guerra de Biafra como canadienses o como nigerianos? ¿Cómo se cuentan los artistas exiliados nacidos en tierras que deberían llamarse Palestina, y cuya obra vuelve ­incesantemente al lugar perdido? Lo mismo ocurre cuando se trata de las estadísticas de igualdad de sexos. ¿Cuentan como hombres o mujeres los artistas trans o intersexuales? In-documentados."







viernes, 14 de abril de 2017

Documenta 14 - Learning from Athens | DW Documentary

Carolee Schneemann Wins Coveted Venice Biennale Golden Lion

Carolee Schneemann Wins Coveted Venice Biennale Golden Lion
Carolee Schneemann



Carolee Schneemann has been announced as the winner of the Golden Lion for Lifetime Achievement of the 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia – VIVA ARTE VIVA. The American artist was recommended for the award by the curator of the 57th International Art Exhibition, Christine Macel. She will receive the accolade on May 13 at Ca’ Giustinian, the headquarters of La Biennale di Venezia, during the awards ceremony and inauguration of the 2017 exhibition.
Commenting on the award, Christine Macel stated that Schneemann has been one of the most important figures in the development of performance and Body Art “She has used her own body as the prevalent material of her art,” said Macel. “In so doing, she situates women as both the creator and an active part of the creation itself. In opposition to traditional representation of women merely as nude object, she has used the naked body as a primal, archaic force which could unify energies.”
Carolee Schneemann’s career spans more than 60 years during which she has worked in a wide range of mediums including in painting, photography, performance film, video, mixed media, and installations, but she is best known as a pioneer of feminist performance. Her most famous performance is “Interior Scroll” 1975 during which the artist, standing naked on a table, slowly pulled a narrow scroll of paper from her vagina while reading aloud from it.
According to Macel, Schneemann is an artist with a direct, sexual, liberating, and autobiographical style who champions the importance of women’s sensual pleasure and examines the possibilities of political and personal emancipation from predominant social and aesthetic conventions. “Through the exploration of a large range of media . . . Schneemann re-writes her personal history of art, refusing the idea of an “his-tory” narrated exclusively from the male point of view,” said Macel.

martes, 11 de abril de 2017

Documenta 14 Athens Highlights

Mattin Artiach en documenta14





Social Dissonance
Durational Concert
Mattin with Dafni Krazoudi, Ioannis Sarris, Danai Liodaki and Eleni Zervou

Live streaming and previous material available here:
https://www.pscp.tv/socialdissonanc/

7-8pm (Athens time, 6-7pm Kassel time)
everyday except Mondays.

Athens:
6 April - 16 July 2017
Room Omega 2
Athens Conservatory
17- B’ &, Leof. Vasileos Georgiou, 
Athina 106 75
Free entrance
Everybody welcome!


Kassel:
8 June - 17 September 2017
documentahalle



documenta14
Athens/Kassel
www.documenta14.de




SOCIAL DISSONANCE SCORE:


Listen carefully.


The audience is your instrument, play it in order to practically understand how we are generally instrumentalised.


Prepare the audience with concepts, questions and movements as a way to explore the dissonance that exist between the individual narcissism that capitalism promotes and our social capacity, between how we conceive ourselves as free individuals with agency and the way that we are socially determined by capitalist relations, technology and ideology.

Reflect on the I/We relation while defining social dissonance.

viernes, 7 de abril de 2017

La prestigiosa documenta 14 desvela los 160 artistas que expondrán en Atenas




La prestigiosa documenta 14 desvela los 160 artistas que expondrán en Atenas
La prestigiosa documenta 14 desvela los 160 artistas que expondrán en Atenas
Los organizadores de la prestigiosa documenta 14 descorrieron hoy el velo de secretismo con el que protegían la lista de 160 artistas que participarán en esta edición, de marcado carácter político y que por primera vez tendrá lugar, además de en la ciudad alemana de Kassel, en Atenas.
La exposición abrirá sus puertas del 8 de abril al 16 julio en la capital griega y del 10 de junio al 17 de septiembre en la ciudad alemana, donde se celebró por primera vez en 1955 y donde, hasta ahora, se celebraba exclusivamente cada cinco años.
Durante más de cuatro meses la documenta 14 echará raíces en Atenas, tomando forma en más de 45 espacios, plazas y museos, entre los cuales destacan el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (EMST), Museo Benaki, Escuela Ateniense de Bellas Artes (ASFA) y el Conservatorio de Atenas.
Entre los 160 artistas de decenas de nacionalidades que expondrán en esta documenta se encuentran varios latinoamericanos, como la cubana María Magdalena Campos-Pons, la colombiana Beatriz González, la guatemalteca Regina José Galindo y la argentina María Minujín; y españoles, como Roger Bernat y Daniel García Andújar.
Adam Szymczyk, director artístico de la exposición, dijo que durante el proceso de preparación de la documenta en Atenas ha aprendido que "a pesar de problemas financieros y políticos debemos abandonar los prejuicios y tener esperanza para empezar de nuevo".
El director artístico aseveró que "el dinero tiene mucho poder pero no todo" y que "hay un espacio para la negociación entre 'su' poder y 'nuestro' poder".
Szymczyk pidió a los interesados en la documenta que no "juzguen" la exposición tras ir "a los tres espacios principales" sino que la exploren "como una geografía" y destacó la relevancia que tendrá la música y el sonido en su decimocuarta edición.
Una muestra de esto es que los responsables de la documenta 14 han elegido la inclasificable obra del compositor griego Yannis Jristu "Epicycle" como banda sonora de la exposición y será reproducida en bucle en todos los espacios.
Por su parte el filósofo español Paul B. Preciado, también comisario de la documenta, se preguntó retóricamente: "¿qué hacemos en Atenas?".
"La documenta apareció en 1955 en Kassel en un contexto devastado por la guerra, el mismo sentimiento" que hay en una Grecia, aseveró el filósofo, sumida "en medio de una guerra política y económica".
Preciado afirmó que cuando llegaron a preparar la documenta en 2015, vivieron el referéndum contra "la troika", y pensaron que el Parlamento como institución "estaba en ruinas" y que la verdadera soberanía popular "estaba en la calle".
A partir de aquello crearon el "Parlament of Bodies", una serie de iniciativas artísticas que sirvieron de preámbulo a la documenta llevadas a cabo desde septiembre de 2016 en el Parko Eleftherías (Parque de la Libertad) de la capital griega.
El filósofo español aseveró que el objetivo de la documenta es generar un "activismo artístico" que reclame "democracia y no mercado" en el arte.
Preciado destacó que la documenta no se implantará solamente los "100 o 160 días" de su duración oficial sino que espera que dure "un año o más de un año" como "institución experimental" que luche contra la "contrarreforma" que vive la sociedad, síntoma de la cual sería la elección de Donald Trump o el Brexit.
Uno de los eventos estrella de la apertura en Atenas el sábado será el concierto que dará la Orquesta de Expatriados Sirios, en colaboración con Ross Birrel, David Harding y la Orquesta Nacional de Atenas, un evento cuya recaudación será destinada en parte a iniciativas que atienden a niños refugiados.

sábado, 1 de abril de 2017

Homosexualidad, morbo y piscinas: el taquillazo de David Hockney en la Tate


Retrato de un artista.
Retrato de un artista. 

    La Tate Britain dedica desde este jueves una exposición a las obras de David Hockney, en la que muestra la prolífica carrera del artista británico y su capacidad para explorar los nuevos soportes a lo largo de más de cinco décadas de trabajo. Considerado el pintor británico vivo más relevante, esta ambiciosa retrospectiva, la mayor que se hace de Hockney (Bradford, 1937) desde 1988, ha contado con la "implicación" total del artista, que a sus 79 años muestra un entusiasmo idéntico al que engatusó al público cuando aún era un estudiante en el Royal College Of Art. 20.000 entradas vendidas de anticipo le convierten en el pintor más taquillero de la Tate. 

    Según explicó hoy a Efe Helen Little, una de las comisarias, "uno de los aspectos que más revelan de la exposición es su capacidad para ver cómo las diferentes ideas y las maneras distintas que tenía de explorar los nuevos soportes a lo largo de las décadas siempre convergen en el siguiente paso".
    Little considera que Hockney "atraviesa ahora un momento muy interesante en su vida y a sus casi 80 años sigue trabajando en su estudio cada día, tan prolífico como siempre, produciendo numerosos dibujos con su iPad", un soporte cuyas aplicaciones pictóricas emplea frecuentemente para crear. La retrospectiva, presentada hoy a la prensa, está estructurada siguiendo un orden cronológico y vuelve la mirada a la década de 1960, "en la que la mayoría de los artistas coqueteaban con la abstracción", según Little.
    Ya entonces, el trabajo del británico destilaba algunas de las ideas que han continuado estando presentes durante toda su evolución artística, como las relacionadas con su identidad y con su relación con el mundo. Esta compilación supone, además, "una rara oportunidad de contemplar todos estos trabajos juntos" y refleja cómo Hockney "siempre ha cuestionado la naturaleza de las imágenes y se ha preguntado cómo vemos el mundo y cómo podemos capturar en dos dimensiones ese mundo de tiempo y espacio", según Little.

    IDENTIDAD PICTÓRICA

    El visitante puede recrearse con "clásicos" de Hockney como "Play Within a Play" (1963), una obra basada en la fotografía de un amigo del pintor, John Kasmin, y en la que se mueve entre la realidad y la ilusión; o "Rubber Ring Floating In a Swimming Pool" (1971), en el que recrea una fotografía. A partir de 1964, el británico vivió en Santa Mónica (EE.UU.), donde encontró la luz que no hallaba en Inglaterra; y fue en Los Ángeles donde se propuso crear "una identidad pictórica" de esa ciudad, cuya geometría le fascinó, según explicó hoy otro de los comisarios, Chris Stephens.
    Fue entonces cuando Hockney trató de dar réplica con su obra a cuestiones sobre cómo un pintor logra capturar las cualidades transparentes del cristal o del agua que está en continuo movimiento, como ilustran algunos trabajos expuestos como "Peter Getting Out Of Nicks's Pool", de 1966.
    La Tate Britain dedica amplios espacios a enormes y llamativos paisajes del condado inglés de Yorkshire, donde le fascinaba el cambio de las estaciones y que se combinan con otros coloridos y llamativos paisajes del Gran Cañón
    La Tate Britain dedica amplios espacios a enormes y llamativos paisajes del condado inglés de Yorkshire, donde le fascinaba el cambio de las estaciones y que se combinan con otros coloridos y llamativos paisajes del Gran Cañón (EE.UU.) al tiempo que hay otra sala con cuadros dedicados a los dobles retratos característicos del artista. En 2013, Hockney volvió a trasladar su residencia a las colinas de Hollywood, un cambio de escenario que dejó huella en sus proyectos.
    De hecho, con relación a esta etapa, la galería exhibe dos nuevos trabajos de pintor inglés en los que retrata su casa y jardín de Los Ángeles, titulados "Garden #3" y "Two Pots on the Terrace" (2016). Durante los últimos cuatro años, el uso del iPhone y posteriormente del iPad como nuevo instrumento de dibujo se han convertido en una constante en la manera de trabajar del pintor británico, como también queda plasmado esta retrospectiva, que estará abierta al público hasta el 29 de mayo

    Suecia premiará a la artista colombiana Doris Salcedo




    Por su excepcional habilidad para conseguir manifestaciones materiales de pérdida y añoranza". La Academia destacó también el trabajo "sensible y profundamente comprometido" de Salcedo, que encara las consecuencias a largo plazo de la violencia y la guerra, y evidencia "el dolor, la pena y los espacios vacíos en almas, casas y comunidades enteras".
    La artista, que que trabaja desde hace tres décadas con esculturas, instalaciones e intervenciones en el espacio público, tiene preferencia por lo monumental, aunque su obra también puede ser íntima y delicada, según el fallo.
    Los premios Rolf Schock, que se entregan desde 1993, llevan el nombre de un filósofo y artista sueco que legó su fortuna para crear cuatro galardones en los campos de la lógica y la filosofía, matemáticas, música y artes visuales. Los galardones -dotados cada uno con 500.000 coronas suecas (56.000 dólares, unos 168 millones de pesos)- son fallados por las academias suecas de las Ciencias, Artes y Música.
    Además de Salcedo, este año han sido distinguidos tres estadounidenses: la filósofa Ruth Millikan, el matemático Richard Schoen y el saxofonista de jazz Wayne Shorter. Los premios serán entregados el próximo 14 de noviembre en una gala en la sede de la Real Academia de las Ciencias sueca, institución que elige cada año a los ganadores de los Nobel de Física, Química y Economía.

    jueves, 30 de marzo de 2017

    Apertura de documenta 14 en Atenas



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    Novedades: Todos los socios institucionales y sedes en Atenas, con nombres de artistas en lugares específicos. También hemos extendido considerablemente nuestra lista de artistas con los nombres ya  confirmados. 
    8 abril - 16 julio 2017, Atenas. 10 junio - 17 septiembre 2017, Kassel. 
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    d14 en Atenas: Google Map de las sedes
    Hemos configurado un Google Map especial de gran utilidad sobre todo para las visitantes de la d14 en Atenas. Incluye a las 36 sedes y ofrece la opción de visualizar el camino a partir de la propia localización.




    BLANCA ORAA MOYUA