martes, 30 de noviembre de 2021

SAN TELMO MUSEOA, GORDAILUA ETA KUTXA FUNDAZIOKO BILDUMETAKO ARTISTAK ERAKUSKETAN IKUSGAI ARTISTAS DE LAS COLECCIONES DE SAN TELMO MUSEOA, GORDAILUA Y KUTXA FUNDAZIOA PRESENTES EN LA EXPOSICIÓN

 












Coro Acarreta Aguilas, Ana Laura Aláez, Julia Alcayde, Xare Álvarez, Izaskun Álvarez Gainza, Susana Alonso, Nagore Amenabarro,  Vicente Ameztoy, Inocencia Arangoa, Miren Arenzana, Amable Arias Maribi Arrieta, Asun Asarta Gastiain, Elena Asins, Asun Balzola, Cipriana Balzola y Goya, Isabel Baquedano, Nestor Basterretxea, Aurora Bengoechea, Marta Cárdenas, Mariana Carranza, María Cueto, Martina Dasnoy ), Guadalupe de Diego, Laura Esteve, Hélène Feillet, María Luisa Fernández, Esther Ferrer, Yolanda Forcada, Menchu Gal  Clara Gangutia,  Ane Garmendia, Kris Goiena, Don Herbert Isabel Herguera, Mari Puri Herrero, Cristina Iglesias, Pilar Insertis, Gema Intxausti, Marta Iñiguez, Zuhar Iruretagoiena, Mari Paz Jiménez, Philippe Joylet, Josefa Kareaga, Ingrid Knopf, Irene Laffitte, Ana Lezeta, Eva Lootz, Miren Arantza Lorea Cuevas,  Francesca Llopis, Nicasia Madariaga, Victoria Malinowska, Erlea Maneros, Ángeles Marco, Ascensio Martiarena. Marian Martínez,Carmen Maura, Inés Medina, Elena Mendizabal, Flor Monsegur, Victoria Montolivo, Idoia Montón, Juan Luis Moraza, Angela Moreno, Elena Odriozola, Itziar Okariz, Blanca Oráa, Ana María Parra, Cecilia Posada, Maite Rocandio, Ana Isabel Román, Dora Salazar, Aran Santamaría, Vitxori Sanz, Barbara Stammel, José Antonio Sistiaga, Pilar Soberón, Sandra Tucci,  Ainize Txopitea, Sonia Uribe, Arantxa Urrestarazu, Rosa Valverde, Luisi Velez, Isabel Vera, Azucena Vieites, Catharina Ykens, Nerea Zapirain, Milagros Zatarain.












     

lunes, 22 de noviembre de 2021

Daniel Bure, Travail in situ

Interface est heureux de vous convier à l’inauguration de l’œuvre de Daniel Buren dans le jardin de la Banque de France à Dijon le vendredi 26 novembre à 11h.Nous serons ravis si vous pouviez être présent(e) à cet événement.Nous vous remercions par avance de confirmer votre venue* par retour de mail.Pour accéder au parc, ce mail d’invitation devra être présenté ainsi que votre pass sanitaire.une capacité d’accueil est limitée.

domingo, 31 de octubre de 2021

Jornadas eremuak: distantziak / distancias / distances


 

Las próximas Jornadas internacionales 2021 se plantean en torno al binomio cuerpos-distancia, dos términos cuya articulación resuena con fuerza en el momento actual, también en las prácticas artísticas. El arte reciente está lleno de momentos en los que la relación espacial que se establece entre los cuerpos –ya sea próxima o distante– y entre estos y sus entornos se manifiesta en forma de acontecimientos significantes.

En esta reflexión recordamos la teoría de la proxemia, término que proviene del latín proximus (“muy cercano”). A modo de resumen, la proxémica es el estudio del uso y percepción del espacio personal, el espacio que rodea nuestros cuerpos. Formalizada por el antropólogo Edward T. Hall, examina la manera en que ocupamos el espacio y la distancia que guardamos al interactuar y comunicarnos. Hall identificó varios tipos de espacios que varían en función del tipo de encuentro, la relación entre los interlocutores, sus personalidades y otros factores. Diseña un modelo en el que clasifica el espacio personal en cuatro subcategorías que jalonan una distancia creciente: distancia íntima (corporal), que va desde el contacto físico hasta los 45 cm; distancia casual-personal, que es la habitual en las relaciones interpersonales, comprendida entre 46 y 120 cm; distancia social, que es la que nos permite interactuar con otros en las transacciones cotidianas, tales como el trabajo, entre 120 y 360 cm; y la distancia pública, que se prolonga hasta el límite de lo visible y lo audible.

No obstante, partimos del supuesto de que mayor distancia no necesariamente implica menor intimidad. Unos cuerpos pueden estar distanciados pero conectados entre sí, y en este sentido el arte se nos aparece como un medio capaz de imaginar formas de intimidad allí donde no parecen posibles. Negociando con normas que establecen distancias espaciales, limitaciones de movilidad y la imposibilidad de contacto físico, aunque sin renunciar a él, el arte nos ayuda a imaginar otros modelos de estar y relacionarse.

En ese marco se presentará la revista eremuak#8 y el cuaderno de artista El conflicto es otrocuya autora es Ana Laura Aláez

Para abordar el tema Distancias desde diferentes perspectivas se contará con la presencia de artistas y agentes del mundo del arte que hablarán desde sus experiencias: Lorea Alfaro, Tarek Atoui, David Bestué, Luz Broto, Patricia Esquivias, Dora García, Olatz González de Abrisketa, Erlea ManerosZabala, Asunción Molinos Gordo, Lisa Rosendhal. Las jornadas finalizarán con la actuación de Eddi Circa.

 

 

PROGRAMA

Viernes, 29 de octubre

17:00 Presentación de las jornadas
Andoni Iturbe Amorebieta (Gobierno Vasco) + Edurne Ormazabal (Tabakalera) + José Ramón Amondarain, Aimar Arriola eta Maider López (Comisión técnica de eremuak)

17:15 David Bestué Contacto

17:45 Olatz González Abrisketa | Carne moderna: una reflexión sobre las distancias animales

18:30 Descanso

18:45 Erlea Maneros Zabala | Norusta (2020)
(Presentación virtual)

19:15 Presentación: revista eremuak#8 + cuaderno de artistaEl conflicto es otroAna Laura Aláez

Sábado, 30 de octubre

11:00 Lorea Alfaro | Cuerpos-distancia

11:30 Luz Broto 11.000km – 1mm

12:00 Patricia Esquivias | A dónde irá veloz

12:45 Descanso

13:00 Dora García Dos planetas han estado colisionando durante millones de años
(Presentación virtual)

 

17:00 Lisa Rosendahl La distancia y el medio de la exposición

17:30 Tarek Atoui El sonido de los exploradores
(Presentación virtual)

18:15 Descanso

18:30 Asunción Molinos Gordo La tradición de pensar con los dedos

19:20 Eddi Circa | Concierto de Eddi Circa

sábado, 23 de octubre de 2021

Daniel Buren

Daniel Buren
Danel Buren

Alors que la FIAC démarre et que la capitale est en pleine effervescence artistique, redécouvrez l’œuvre exceptionnelle de Daniel Buren, Pavoisé, au Palais de l’Élysée.

While the FIAC is just starting and the capital is buzzing again with multiple artistic initiatives, let's throwback to the exceptional work Pavoisé by Daniel Buren at the Palais de l’Élysée.
 
Daniel Buren

martes, 28 de septiembre de 2021

Esther Ferrer: “En la ‘performance’ no hay que respetar ninguna norm




Su 'leitmotiv' es el tiempo y sus herramientas, el cuerpo y la 'performance'. Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) es una de las protagonistas de 'Apertura', con exposición en la galería 1 Mira Madrid


¿Qué libro tiene entre manos?

Tengo dos, L’age de l’univers, de Marc Lachièze-Rey, y De la démocratie en Pandémie: Santé, recherche, éducation, de
Barbara Stiegler.

¿Qué le hace abandonar la lectura de un libro?

Que deje de interesarme. Siempre tengo muchos otros que leer y no quiero perder el tiempo.



¿Con qué personaje le gustaría tomar un café mañana?

Enheduanna, hija de Sargon (2334-2279 a.C.), autora de los primeros poemas de la historia conocidos hasta hoy, himnos dedicados a la diosa Inanna.

¿Cómo le gusta leer, cuáles son sus hábitos de lectura?

No me gusta leer en el ordenador. Leo sentada en el cuarto de estar o en la cama, durante el día no, porque trabajo mucho y, si no salgo, después de cenar. Siempre tengo, además, un libro compartido con mi marido que nos leemos el uno al otro, suele ser de poesía.

Cuéntenos la experiencia cultural cultural que cambió su manera de ver la vida.

No creo en la experiencia única, mi manera de ver el mundo cambia continuamente según las circunstancias y mi curiosidad.

¿Es el tiempo el elemento clave de su trabajo?

La vida es cambio, transformación, seamos o no conscientes de ello, y supongo que esto es algo que influye en mi obra ¿Qué es el tiempo, cómo aprehenderlo, cómo visualizarlo, cómo hacer sentir su paso…? El tiempo es la materia prima que estructura mi trabajo.

¿Qué busca captar en todos esos autorretratos que veremos en su exposición de la galería 1 Mira Madrid?

Fue la única forma que encontré de visualizar el paso del tiempo: las huellas que este deja en el rostro, que es un compendio, un “mapa” de todas estas transformaciones. Usar mi propio cuerpo, de 1981 a 2019, era lo más fácil pero ha sido y continúa siendo, un largo proceso.

¿Qué le da la performance que no le aportan otros medios?

Me gusta porque es efímera, no deja huellas materiales, llegas, la haces, te vas y solo queda el recuerdo en la mente de los que estaban presentes. No hay que respetar ninguna norma, puede ‘atravesar’ todas las formas de expresión. Y tiene un elemento de riesgo: sé lo que voy a hacer pero no cómo se va a desarrollarla acción.

¿Dónde se siente más libre trabajando, en museos, galerías, teatros, festivales…?

En mi taller. En el resto de lugares estoy haciendo los deberes.

¿Le importa la crítica, le sirve para algo?

¿Sirve para algo mi trabajo? Sí, me sirve a mí para comprender el mundo en el que vivo. Si además les sirve a los demás, maravilloso, pero yo no voy a dejar de hacerlo. Y lo mismo pienso de la crítica. Supongo que le sirve a quien la hace y sé por experiencia que puede ayudar a otros a comprender no solo una obra sino, a través de ella, la realidad que nos toca vivir.

¿Cuál es la última exposición que ha visitado? Ejerza, por favor, de crítico y díganos qué le pareció.

La Colección Pinault en la Bourse de Commerce, en París. No puedo ejercer de crítica, no doy el nivel.

¿Qué obra teatral le ha impactado recientemente?

Ninguna, no he ido al teatro desde que empezó la Covid.

¿Se ha enganchado a alguna serie?

No he visto ni una sola, no tengo televisión.

¿Qué música escucha en casa?

Muy diversa, mi marido es compositor y, por supuesto, escucho su música y la de otros autores contemporáneos, y también mucha música tradicional de culturas muy diferentes a la nuestra.

¿Le gusta España? Denos sus razones.

Depende de cómo la cocinen. 

Una idea para mejorar la situación cultural cultural de nuestro país.

Estimular el interés por todos los aspectos de la creación desde la escuela primaria, la curiosidad y la propia creatividad de los alumnos, que comprendan que se puede ser creativo en cualquier actividad.



martes, 21 de septiembre de 2021

Online Viewing Room


Trames de points jaunes sur trames de points roses et trames de points roses sur trames de points jaunes, 1974
Peinture sérigraphique sur bois • Silkscreen paint on wood. 92 x 184 cm
À l’occasion d’Art Basel,
découvrez chaque jour, à 11h,
une nouvelle Online Viewing Room
consacrée à une pièce iconique



On the occasion of Art Basel,
discover each day, at 11 am,
a new Online Viewing Room
dedicated to a masterpiece
Kamel Mennour est heureux de vous présenter aujourd’hui une œuvre exceptionnelle de François Morellet, Trames de points jaunes sur trames de points roses et trames de points roses sur trames de points jaunes, mise en lumière avec des archives inédites.

Kamel Mennour is pleased to present today an exceptional artwork by François Morellet, Trames de points jaunes sur trames de points roses et trames de points roses sur trames de points jaunes, highlighted by unique archives.
Jusqu’au 26 septembre 2021



Until 26 September 2021
Figure majeure de l’abstraction géométrique d’après‑guerre, François Morellet (1926‑2016) compte parmi les pionniers de l’art minimal et conceptuel.

Dès ses premières œuvres de maturité en 1952, l’artiste fonde sa démarche sur une volonté de systématicité, de neutralité et d’économie formelle, ainsi que sur une prédilection pour la sérialité, le all‑over et l’anti‑composition. Héritier irrévérencieux de l’art concret qu’il découvre au début des années 1950 [...], François Morellet développe une pratique de « peinture expérimentale programmée » où chaque œuvre, avant d’être produite, est conçue intégralement de manière systématique et contrôlée. Dans une ambitieuse entreprise de démystification de la fonction de l’artiste et de la nature même de l’art, François Morellet vise à réduire le plus possible le nombre de décisions arbitraires nécessaires à la création de ses systèmes : des systèmes mathématiques autonomes sans signification autre que celle de leur logique propre, en somme, pour citer Morellet lui‑même, des « systèmes aussi rigoureux qu’absurdes ».



A major representative of post‑war geometric abstraction, François Morellet (1926‑2016) was one of the pioneers of minimal and conceptual art.

As early as his first mature works in 1952, the artist established a process based on a will towards systematicity, neutrality, and formal economy, along with a predilection for seriality, the “all‑over,” and anti‑composition. As an irreverent heir to concrete art, [...] Morellet developed a practice of “programmed experimental painting,” in which each work, before being produced, is fully and systematically conceived. His ambitious undertaking, aiming at demystifying the function of the artist and the very nature of art, involved reducing as much as possible the number of arbitrary decisions needed for the creation of his systems—autonomous, mathematical systems with no other meaning than that of their own logic, “systems,” as he wrote himself, “as rigorous as they are absurd.”

— Béatrice Gross

viernes, 16 de julio de 2021

El Macba nombra su primera directora a Elvira Dyangani Ose


La nueva directora del Macba Elvira Dyangani.
La nueva directora del Macba Elvira Dyangani.CHRISTINA EBENEZER








Elvira Dyangani Ose (Córdoba, 1974) es la nueva directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), la primera mujer al frente de esta institución desde su apertura el 28 de noviembre de 1995.


En línea con los tiempos antes de que la noticia fuera difundida por los canales oficiales, fue publicada en Facebook. El responsable de la filtración fue Agustín Pérez Rubio, comisario de la Bienal de Berlín entre otros eventos internacionales, quien utilizó la red social para felicitar la nueva directora. “Hoy es un día muy importante para el mundo del arte y los museos en Barcelona, Cataluña, España y más allá. Su nombramiento abre las puertas a una nueva manera de entender una institución artística en el siglo XXI”, asegura Pérez Rubio. El comisario define a Dyangani Ose “como una profesional que ha trabajado duro durante muchos años en todo el mundo: Canarias, Sevilla, Nueva York, Londres y muchos países africanos donde su inteligencia, visión y encanto la ha convertido en la persona que el Macba necesita ahora”. Sus palabras han causado cierto revuelo, numerosas muestras de satisfacción y centenares de felicitaciones a la nueva directora, que se pone al frente de un equipo formado en su gran mayoría por mujeres, empezando por la responsable de la colección permanente Antonia María Perelló.

El Consejo General del Consorcio del Macba ha nombrado Dyangani Ose a propuesta del comité de expertos por “su voluntad de aportar una mirada innovadora sobre el papel del museo en el escenario local e internacional, incorporando una clara voluntad de conexión con los debates contemporáneos sobre el papel del arte, sin huir de un declarado compromiso con las problemáticas sociales que rodean las instituciones culturales”.

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Barcelona y doctoranda de la Universidad Cornell de Nueva York, desde 2018 Dyangani ha sido directora de The Showroom en Londres, además de profesora de Culturas Visuales en el Goldsmiths Institute de Londres. También ha sido comisaria de la Bienal de Göteborg, conservadora de arte internacional de la Tate Modern y directora de la Bienal de Lubumbashi (Republica Democrática del Congo).

Elvira Dyangani sustituye a Ferran Barenblit quien dirigió el Macba durante seis años. La nueva directora tiene un contrato de cinco años renovables y tomará posesión de su cargo a primero de septiembre.

miércoles, 12 de mayo de 2021

Hur curaterar man en biennal på distans?







Mitt under den globala pandemin har Lisa Rosendahl curaterat en internationell biennal om Göteborgs roll i det koloniala projektet. Den 5 juni öppnar Göteborgsbiennalen 2021. 

Lisa Rosendahl. Foto: Stine Hebert. 

Hur curaterar man en internationell biennal framför skärmen? Det har Lisa Rosendahl tampats med i egenskap av curator för den elfte upplagan av Göteborgsbiennalen (GIBCA), som hon under det senaste året har arbetat med från sin bas i Berlin. Inför invigningen av biennalens första del den 5 juni (den andra delen öppnar den 5 september) så kommer hon att vara på plats och installera verken, men i övrigt har hon inte kunnat resa till Göteborg eller några andra platser för att träffa konstnärer, göra research osv. 

– En konsekvens av restriktionerna är att det har blivit fler svenska konstnärer än det hade varit annars, då de har kunnat göra platsbesök i Göteborg. Utställningen kan också ha blivit mer video- och ljudbaserad som ett resultat av att min research till stor del har varit digital, spekulerar Rosendahl under en Zoom-intervju, som äger rum efter en heldag med distansundervisning vid Kunsthögskolen i Oslo där hon är lektor i Exhibition Studies. Rosendahl berättar att GIBCA 2021 kommer att ha ett fyrtiotal medverkande konstnärer – varav en tredjedel är verksamma i Norden – och att biennalen blir ungefär lika stor som förra upplagan, 2019.

Det var för tre år sedan som Rosendahl, känd för sina ofta platsspecifika och researchintensiva utställningskoncept, kontrakterades som curator för två upplagor av biennalen. Idén var att GIBCA 2019 skulle fungera som en startpunkt och en upptakt till årets biennal som sammanfaller med Göteborgs 400-årsjubileum. De båda utställningarna skulle flätas samman med utgångspunkt i den 400-åriga tidshorisonten, varför den första utställningen tog fasta på konsekvenserna av den mekanistiska världsbild som formulerades på 1600-talet. Sammanflätningen blev på så vis både ett motiv och en metod, både ett alternativ till olika binära uppdelningar och en idé om hur de båda upplagornas olika delar relaterar till varandra.



BLANCA ORAA MOYUA

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