Son pocos los artistas que han sido más controvertidos que Marcel Duchamp. La razón es simple: el autor francés rompió con cualquier convención sobre las artes plásticas y visuales que existían en su tiempo.
Duchamp provenía de una familia de artistas: su abuelo era un fanático del grabado y la pintura, sus hermanos Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon fueron también artistas que obtuvieron una fortuna por realizar anuncios publicitarios y su producción personal.
Marcel Duchamp, queriendo seguir los pasos de su familia, encontró refugio en los barrios de Montmartre con la comunidad de artistas que ya estaba establecida desde hacía varias décadas. El artista intentó estudiar en École des Beaux-Arts, sin embargo, permaneció en la Académie Julian, para finalmente dejarla por la vida bohemia de Montmartre.
Duchamp junto con sus hermanos estuvieron en constante contacto con los vanguardistas de la época como Picasso y Bracque, donde formaron un movimiento cubista independiente. En éste trataban de plantear las bases del cubismo de una forma más intelectual. Sin embargo, el movimiento no duró mucho tiempo, por lo que Duchamp y sus hermanos tuvieron que continuar su exploración artística.
Marcel Duchamp fue un artista peculiar que realmente no se afianzó a ningún movimiento, sino que tomaba elementos de varios de estos para inspirar sus obras, aunque su modus operandi era hacer sólo una obra bajo cierta línea y después buscar algo más; otra corriente y otra idea sobre la cual trabajar. Es por esta razón que la línea artística de Duchamp es un poco inconstante.
La fama para Duchamp llegó con su cuadro Desnudo bajando la escalera, una pieza en donde coqueteaba con el futurismo como también el arte cinético, ya que estaba interesado en hacer un estudio del movimiento a través de la fotografía y el cine traducido al lenguaje plástico. Este cuadro le valió gran fama para el artista, especialmente en la exposición Armory Show.
Desnudo bajando la escalera significa el inicio de la línea de trabajo de Duchamp, ya que es justamente en esta obra donde se reflejan los temas que marcaron su discurso: el estudio del movimiento, el objeto como pieza de arte, el ajedrez, el azar, y la máquina. De estos conceptos parte su obra más importante: El Gran Vidrio.
Muchos comentan que la gran aportación de Marcel Duchamp al arte contemporáneo era el ready-made, sin embargo, El Gran Vidrio es la obra que tomó una vida a Duchamp completar y en ella se contenían todas las piezas que el artista había realizado en dibujo y en pintura, además que se puede decir fue una obra procesual construida por el azar y por los procesos de dibujo mecánico que Duchamp trataba de reproducir. Es decir, el artista dejaba que el azar construyera al Gran Vidrio a la par que trataba de eliminar todo rastro emocional en su composición, al crear trazos calculados, utilizar materiales poco plásticos (como alambre) y hacer composiciones incluso del polvo acumulado sobre la obra.
En 1913, este artista empieza a trabajar sobre lo que llama ready-made o ya hecho, piezas de arte que realmente son objetos cotidianos retirados de su contexto para ser presentados como esculturas. Marcel Duchamp a este tipo de piezas les pondría títulos que solían ser un juego de palabras con un humor negro particular del artista y que daban una clave para la lectura de su obra. Con esto el sentaría las bases del arte conceptual, un arte que dejaría de ser retiniano para pasar a un plano mental, es decir que se basa en la idea.
Es por el ready-made que varios historiadores de arte confunden a Duchamp como miembro de la corriente dadaísta, corriente a la cual Duchamp apreció poco y jamás se consideró parte, aunque ambos tuvieran premisas parecidas y ambos utilizaran recursos de uso de objetos cotidianos como esculturas.
Marcel fue también precursor del arte cinético al realizar su primer ready-made que consistía en una rueda de bicicleta sobre un banco. Es la primera pieza en donde el movimiento ya no era representado como en Desnudo bajando la escalera, sino que la pieza en sí tenía movimiento. Cabe agregar que Duchamp también sentó las bases de la instalación junto con el dadaísta Kurt Schwitters, al crear una obra que consistía en telarañas de hilo que cubrían todo el espacio, buscando con esta acción intervenir el lugar que le rodeaba.
Finalmente, Duchamp también tuvo una noción del performance al crear a su alter ego Rrose Sélavy, un juego de palabras entre Eros (amor sexual) y C’est la Vie (así es la vida). El artista incluso llegó a firmar obras bajo ese seudónimo, entendiendo que Rrose era parte de su universo creativo y por lo tanto una obra de arte también.
Duchamp a lo largo de su vida estaría rodeado de artistas que fueron sus amigos cercanos como Apollinaire y Picabia, que siempre trataron de incentivarlo a producir, sin embargo, llegó un punto en el que dejó de hacerlo, por lo que se dedicó de lleno al ajedrez para finalmente volverse en algo que el solía criticar mucho: un art dealer. Este hecho se sustenta en que Duchamp no tuvo mucha relevancia hasta los años 60, donde se trató de releer su obra gracias a los movimientos que surgían en esa época. Incluso muchas de sus obras tuvieron que volverse a hacer, ya que se habían perdido con el transcurso de los años.
Entender a Duchamp no es tarea fácil, pues era un artista que jamás se definió a sí mismo, que nunca siguió una línea en particular y que por lo tanto rompió con todos los estereotipos y convenciones artísticas de su tiempo. Duchamp buscaba innovar en cada una de sus piezas y siempre se cuestionó el rol del artista, la relación con la máquina, el azar, el ajedrez y sobre todo el humor negro del cual presumía a través de sus juegos de palabras.
Lo que no se puede negar es que este artista es uno de los más influyentes del siglo XX. Para muchos, un genio; para otros, no tanto. Pero nos interesa tu opinión: Duchamp, ¿un genio o un producto del azar? ¿tú que opinas?
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